Почему картины так дорого стоят и еще 9 важных вопросов об искусстве: конспект книги «Почему в искусстве так много голых людей»
Для чего художникам рамы, нужно ли понимать сюжет картин и как отличить шедевр от дешевки — «Афиша Daily» разбирает книгу Сьюзи Ходж «Почему в искусстве так много голых людей», вышедшую в рамках совместной издательской программы музея современного искусства «Гараж» и Ad Marginem.
Bсе ли картины вставляют в рамы?
Цитата из книги
«Обычно картины вставляют в рамы, выставляя их напоказ. Рамы привлекают внимание к картине и защищают ее края. Некоторые рамы отличаются вычурностью, особенно у старинных работ, которые когда-то висели в особняках. Другие рамы совсем простые, они не отвлекают от созерцания искусства. Предназначение рам — дополнять картины, заключенные внутри, показывать их с лучшей стороны.
Пит Мондриан считал, что рамы подобны стенам. Иногда кажется, будто они встают между зрителями и искусством, словно создавая препятствие, отделяя живопись от всего остального мира.
Мондриану хотелось, чтобы все получали удовольствие от его работ и никто не чувствовал себя отделенным от них. Он писал на краях холста. А иногда даже на боковинах.
Он разрушил эти стены!
Жоржу Сёра не нравилось, что рамы отбрасывают тень на края картины. И он сам изобразил раму. Она состоит из тысячи крохотных точек более чем 25 разных цветов.
Знаешь ли ты, что изображение на телеэкране складывается из точек, которые называются пиксели? Эта картина была написана более чем за 50 лет до того, как изобрели цветной телевизор!»
Комментарий
Может показаться смешным отдавать целую главу рамам, тем более — практически начинать с этого книгу. Но в этом есть свои резоны. Во-первых, мы никогда не смотрим на картину в пустоте. Свет, высота, на которой она расположена, соседние работы, аннотации — все это создает пространство вокруг нее. Рассуждая о современной скульптуре, непременно говорят об окружающем ее «поэтическом пространстве»: смысл какой-нибудь абстрактной скульптуры рождается только тогда, когда на нее смотрит зритель.
Во-вторых, действительно, рама часто становится сюжетом самой картины — как доказано на забавных примерах выше. Наконец, рама — обязательное звено цепочки вопросов и ответов, которое поможет лучше понять произведение. После того как разберешься с тем, кто автор и повлиял ли он на историю искусства, можно мимоходом взглянуть на раму. Кстати, в 1990 году в нью-йоркском Метрополитене была своего рода выставка наоборот: музей выставил множество пустых рам, чтобы обратить внимание на часто игнорируемую реальность.
Почему все плоское?
Цитата из книги
«Не все предметы искусства выглядят объемными.
Двухмерные, или 2D, изображения плоские, как эта страница. Трехмерные, или 3D, — имеют высоту, ширину и глубину, как мяч.
В разные времена искусство было либо таким же плоским, как поверхность, на которой писали художники, либо объемным, как реальные вещи.
Многое древнее искусство, как, например, египетская роспись на стенах, выглядит плоским.
Она больше напоминает диаграммы и совершенно не похожа на жизнь.
Еще в древние времена художники умели передавать объем, и плоские изображения они рисовали специально.
В Древнем Египте знатных людей хоронили в расписанных гробницах вместе с их сокровищами. Стены гробницы украшали рисунками, не предназначавшимися живым. Они показывали богам, чем люди занимались при жизни.
Изображение выглядит плоским, чтобы быть понятнее богам.
<…> Что стоит на столе? Видишь ли ты вазу с цветами, стакан, игральную карту и окно рядом?
Жан Метценже не соблюдает законы перспективы, но все равно хочет показать, что предметы на картине трехмерные. Поэтому он изображает их одновременно под разными углами. Такая техника называется кубизмом».
Комментарий
Этот пункт отражает общий скепсис о том, что художники разучились достоверно изображать трехмерную действительность — грубо говоря, «рисовать похоже». Автор «Голых людей» Сьюзи Ходж заручается поддержкой древних мастеров, абстракционистов и кубистов.
Собирать их вместе под маркером «плоское» довольно смешно — кубисты как минимум создают больше трех плоскостей в своей картине, а иногда даже изображают один и тот же объект в разные моменты времени, так что плоскими их работы назвать нельзя. Тем не менее на этот детский вопрос нет однозначного ответа, и каждый раз нужно думать, почему художник решил сделать все плоским. Ходж забывает о культурной специфике: перспектива — европейское изобретение, и в искусстве многих стран она может в принципе не встречаться. Рассуждение о том, что плоское изображение становится более декоративным и абстрактным, вполне резонно — как и ассоциация «плоского» и «древнего». Но при этом Ходж почему-то избегает очень простого и очевидного вывода: убирая одни детали из изображения, автор акцентирует внимание на других. Грубо говоря, упрощая (и уплощая) изображение, художник может сделать его более выразительным, и во многих случаях за счет упрощения ему будет легче этой выразительностью управлять.
Почему в искусстве так много голых людей?
Цитата из книги
«В живописи, скульптуре и фотографии обнаженные люди встречаются очень часто.
Все пошло от древних греков, считавших, что обнаженное тело прекрасно и достойно изучения. Даже сегодня художники учатся рисовать голых людей, чтобы лучше понять форму тела. Это называется рисованием с живой натуры.
Обнаженная Венера, римская богиня любви и красоты, плывет, стоя в створке раковины. Согласно древней легенде, Венера родилась уже взрослой и перемещалась по морю. Боттичелли написал свою картину через много лет после возникновения этой легенды.
В искусстве нагота часто обозначает новую жизнь. Во времена Боттичелли женщины тщательно укрывали свои тела. Но Венера обнажена, так как она богиня, а не обычная женщина!
Многие художники считают, что женское тело красивее мужского, поэтому в искусстве обнаженные женщины встречаются чаще обнаженных мужчин.
В 1960 году Ив Кляйн придумал новый способ изображать женские тела. Он обмазывал обнаженных женщин синей краской и укладывал их на гигантский холст на полу. Они служили «живыми кистями».
Комментарий
Самая интригующая глава книги вынесена в заголовок — что, в общем-то, довольно понятно.
Но ясного ответа на вопрос мы здесь тоже не найдем — среди предложенных вариантов собрано сразу несколько: изучение пластики тела и его красоты, символ жизни и пощечина общественному мнению. Тут, впрочем, нет никакой загадки: мало вещей на свете вызывают у человека такую же сильную реакцию — интерес и неловкость, стыд и желание, восхищение или, напротив, отвращение, — как нагота. Обнаженное человеческое тело в искусстве — и, по разным причинам, именно женское — самый сильный символ жизни и смерти. В этом смысле голое тело — это инструмент художника, который он может либо изобразить на картине, либо показать в жизни. В последнем случае речь идет о перформансе. Обнаженный перформанс будет более волнующим, иногда хрупким, иногда неприятным. Кроме того, нагое тело — это еще и обязательный символ искренности, который любил использовать Люсьен Фрейд, показывая беспомощность человеческого существа. При этом обнаженное тело в европейской традиции настолько тесно увязано с идеей красоты, что демонстрация излишне неприятного тела, как это любил делать Фрейд, шокирует не меньше и заставляет задуматься о старении и увядании.
С рассуждением о преобладании обнаженных женщин над мужчинами все тоже не так просто: в царской России, например, можно было рисовать только обнаженную мужскую натуру, а за женской художники традиционно отправлялись в Италию.
Нужно ли знать сюжет картин?
Цитата из книги
«Истории рассказываются во всех видах искусства — от живописи и скульптуры до кино.
Произведение искусства — это окно в воображение другого человека. Мы видим факты и истории чужими глазами.
Примерно 160 лет назад существовало движение под названием «Братство прерафаэлитов». Художники этого течения писали сюжеты, часто почерпнутые из истории. Их картины иногда называли «романами в рамах». Милле был прерафаэлитом.
<…> Красавица Офелия утопилась, и художник воображает, как это могло произойти. Чтобы картина была интереснее, он украшает ее многочисленной символикой. Например, красные маки и голубые незабудки означают память или поминовение мертвых.
Это хорошо известный сюжет, и люди повалили толпой в Королевскую академию в Лондоне, где картина была впервые выставлена в 1852 году.
За этим произведением искусства стоит своя история. Корнелия Паркер хотела создать настроение, атмосферу, заставить нас задуматься о нашей жизни и о том, что мы оставим после себя.
Мы мало думаем о сарае в саду. Мы храним в нем ненужные вещи, о которых быстро забываем. Паркер решила его взорвать!
Затем она собрала куски обугленного дерева и покоробившегося металла и на леске подвесила их к потолку. В середине она расположила лампу, чтобы на стены отбрасывались зловещие тени».
Комментарий
В этой главе автор делает хитрый ход и пытается приравнять историю создания картины к ее сюжету. Зачем это нужно? В XX веке искусство во многом стало бессюжетным, и если раньше без понимания истории было невозможно разбираться в искусстве (например, считывать классические иконописные сюжеты — и благодаря этому осознавать, совершил или не совершил художник революцию в данной работе), то теперь куда большую важность приобрели история художника и история создания конкретной картины.
Следить за биографией автора стало так же увлекательно, как за сезонами сериалов-долгожителей: Ай Вэйвэй перебрался в Европу, стал больше радеть за мигрантов, но оттого вдруг стал менее интересным, или, скажем, Цай Гоцян — переквалифицировался в мастера больших технологических фейерверков и растерял все свое концептуальное обаяние. А вот Ричард Лонг: всю жизнь топтал тропинки по всему миру, не предал свои идеи, за что и вошел во все учебники по ленд-арту.
Кто все эти люди?
Цитата из книги
«Многие картины заполнены людьми, но кто они такие?
В прошлом, еще до изобретения фотографии, знатные люди заказывали свои портреты. Художники должны были показать, насколько заказчики могущественны, красивы и богаты. Часто художнику для групповых портретов позировали целые семейства.
<…> На портрете Эдварда Хоппера изображены две модницы за столом в ресторане. В отличие от портретов прошлого, эти женщины не являются важными персонами. Они самые обыкновенные и не отличаются от случайных посетителей.
В толпе мы видим множество неизвестных нам людей, и именно их хотел изобразить Хоппер.
И хотя он показывает двух незнакомок, моделью для обеих послужила жена Хоппера!
<…> Для слепка головы Марк Куинн использовал собственную кровь. Скульптура хранится в холоде, иначе она растает.
По словам Куинна, это напоминание о том, как хрупка жизнь. Каждые пять лет скульптор изготовляет новую голову, так что можно увидеть, как он стареет».
Комментарий
Действительно, размышляя о том, кто же изображен на картине, нужно прежде всего подумать о заказчике работы. Сопоставив время написания и главного героя, можно выдвинуть гипотезу даже о том, насколько художник был успешным. Библейские сюжеты часто писались по заказам церкви, хотя были, конечно, и частные поручения. До импрессионистов портреты писались в основном на заказ для богатых людей, поэтому французские художники совершили революцию, когда начали рисовать обывателей, — правда, потом им пришлось думать о том, как продать все эти картины.
А по работе Марка Куинна легко сделать вывод о том, что художник не голодает и проблем импрессионистов не испытывает: для его работ нужна не столько храбрость, сколько солидные бюджеты.
Зачем на картинах фрукты?
Цитата из книги
«Художники часто рисуют яблоки и апельсины, но зачем?
В первую очередь фрукты надежны. В отличие от моделей-людей, они не моргают, не дергаются и не требуют чая.
Изображение фруктов помогает художникам изучить формы, цвета и тона природы.
Такая живопись называется натюрмортами. До изобретения фотографии художники демонстрировали свои таланты, создавая реалистичные натюрморты. Но затем все изменилось…
Поль Сезанн написал эту картину уже после изобретения фотоаппарата, и он не чувствовал, что его задача — копировать действительность. Это мог сделать и фотограф!
Он написал круглые фрукты на плоском холсте, но в новой манере. Чтобы показать формы фруктов, он изобразил каждое яблоко одновременно под многими углами, в разных ракурсах.
Кажется, что яблоки вот-вот упадут со стола.
<…> Эта картина имеет двойное значение. Рядом с цветами Ян ван Кессель изобразил череп — символ смерти. Это предупреждение, напоминающее о бренности жизни. Мы не должны забывать, что в конце концов умрем!
Натюрморт — это французское слово, означающее «мертвая природа». На полотне цветы выглядят как живые, но в реальной жизни они обращаются в гной.
<…> Джон Лорбир — оптический иллюзионист, прославившийся своими застывшими фигурами.
Тут все довольно путано. Он такой же объект, как фрукт, запечатленный на натюрморте, но при этом живой и не нарисованный. Время идет, а он остается неподвижным и висит на стене, как картина.
Комментарий
Хороший ответ на вопрос, но не хватает важного акцента. Натюрморт — это прежде всего исследование чистой формы. И если художник редко пишет натюрморт — как это, например, делали многие импрессионисты, — это значит, что его волнуют не формальные качества картины, а сиюминутное ощущение, которое она передает.
В натюрморты действительно закладывается мысль о бренности бытия — но нельзя принимать ее как абсолют: в конце концов, многие герои на портретах тоже смертны. Идея о том, что перформанс иногда может оказаться натюрмортом, также весьма забавна — но при этом нужно помнить, что это большая редкость.
Почему художники так любят пейзажи?
Цитата из книги
«Веками люди изображали поля, города и горы.
Но только 300 лет назад пейзаж занял важное место в искусстве. Это произошло благодаря простому изобретению — оловянному тюбику с краской! Живописцы больше не были привязаны к своим мастерским, и работа на пленэре стала реальностью.
Мужчина созерцает расстилающееся перед ним море. На этом полотне человек занимает такое же важное место, как и пейзаж.
Картина Каспара Давида Фридриха показывает власть природы. Мужчина стоит к нам спиной, так что мы видим тот же вид, что и он. Перед ним раскинулась стихия. Пейзаж выглядит таинственным и чуть тревожным.
<…> Искусство, связанное с пейзажем, не всегда бывает двухмерным. Христо и Жан-Клод укрыли 11 островов близ Майами 603 870 квадратными метрами розовой ткани. Ткань была сшита из 79 кусков, повторяющих контуры или очертания островов.
На фоне голубой воды и изумрудной зелени розовая упаковка выглядит яркой и броской.
Не всегда пейзаж обращен к природе. Иногда, как на этой картине, он несет другой смысл.
Произведение Агнес Денес говорит о том, как пейзаж может всех накормить. Долгие месяцы художница засаживала пшеницей пустырь посреди Нью-Йорка. Когда колосья были скошены, она послала зерно в 28 разных городов, где оно было посеяно, чтобы напомнить людям о существующем в мире голоде».
Комментарий
Ответ засчитан: пейзаж действительно долгое время считался второсортным сюжетом искусства. Сегодня он может быть как упражнением в форме, так и способом рассказать какую-нибудь сложную историю. Здорово, что автору удается доказать: эксперименты с ленд-артом, по сути, тот же самый пейзаж — такой, в который зритель может войти. Это соображение можно использовать и тогда, когда вы в замешательстве смотрите на объекты Николая Полисского в Никола-Ленивце: просто представьте, что этот художник тоже рисует природу — но немного другими средствами.
Как понимать абстрактное искусство?
Цитата из книги
«Художники меняют вид предметов и людей, делая их неузнаваемыми. Или сами выдумывают объекты, которые не имеют отношения к окружающему миру. Это называется абстрактным искусством. Тут даже специалисты могут сесть в лужу. Некоторые абстрактные произведения выставлялись вверх ногами десятилетиями, и никто не замечал ошибку. Художники-абстракционисты не копируют жизнь, а изобретают то, что им нравится.
Первые художники-абстракционисты решили изображать фигуры и цвета, не представляющие ничего в реальном мире. Художники вроде Жоана Миро писали бессознательно, автоматически. Во время написания картины Миро впадал в подобие транса. Он понимал, что делает, но был точно во сне. Это абстрактное произведение, но эти странные фигуры обладали для него смыслом.
<…> Барбара Хепуорт любила создавать фигуры, напоминающие ее родной корнуэльский пейзаж. Хотя эти сферы мало похожи на семью, Хепуорт внесла в них именно этот смысл.
Кто из них мама? Видишь, ты знаешь ответ! Именно таким свойством обладает абстрактное искусство. Оно изображает то, что мы все понимаем, даже не видя этого».
Комментарий
Есть ли смысл в абстракции? Нужно ли пытаться угадывать сюжет, который стоит за ней? Если действительно хочется разобраться с этим, существует много хитростей. Самая простая — прочитать аннотацию к работе. Она может быть либо предельно абстрактна, либо, как у Барбары Хепуорт, дать подсказку, указывая на конкретные предметы. Глядя на абстракцию, важно помнить, что она убедительно передает сложные чувства, которые невозможно выразить с помощью более конкретного изображения, — как «Биркенау», цикл Герхарда Рихтера о концлагерях.
Почему искусство так дорого стоит?
Цитата из книги
«Это безумие! Одни произведения искусства стоят миллионы, а другие — копейки.
Почему? Все дело в востребованности. Художники и стили могут входить в моду и выходить из нее.
Сегодня все знают Винсента Ван Гога и его картины продаются за миллионы. Но при жизни он продал всего одну картину! Слава пришла к нему только после смерти. Часто смерть художника помогает ему приобрести известность.
Винсент Ван Гог часто писал подсолнухи. Он работал над этой картиной — она предназначалась для гостиной, — когда у него гостил Поль Гоген. Посещение закончилось ссорой, Гоген уехал, а Ван Гог отрезал себе часть уха. Из-за этой знаменитой истории картина поднялась в цене.
Слышал ли ты о Бэнкси? Он рисует граффити на стенах и мостовых, когда никого нет рядом. Его творчество заставляет людей думать о том, что происходит в мире. Оно глубоко по смыслу, реалистично и привлекает много поклонников. Многие хотели бы иметь работы Бэнкси дома и готовы платить за них кучу денег. Но как можно владеть картиной, которая нарисована на здании или на асфальте?
Бэнкси иногда продает свои работы и выставляет их в галереях, но это случается не часто — и стоят они очень дорого.
Иногда искусство столь значимо, что не имеет цены. Оно бесценно! Пример — картины Яна Вермеера.
За свою жизнь Вермеер создал всего несколько картин. Он писал очень медленно, экономно расходуя дорогие краски. Этот портрет иногда называют «голландской Моной Лизой».
Неизвестно, кем была девушка на портрете, но ее широко открытые глаза и большая жемчужная сережка показывают, что Вермеер пользовался специальным методом для передачи цвета и светотени».
Комментарий
Цена искусства — отдельная и ужасно интересная тема. Ни один арт-дилер в этом не признается, но всем известно, что, к примеру, проблемы глобальной экономики могут повлиять на то, будет ли та или иная картина Рембрандта признана подлинником. Успешная продажа картины на торгах приводит к тому, что стоимость всех работ автора повышается, — и наоборот. Одни периоды жизни художника стоят дороже, чем другие. Искусство — такая же валюта, как доллар и евро, а главные музеи мира работают примерно по тому же принципу, что и центральные банки, — и неплохо эксплуатируют свой капитал, выпуская сувениры, авторизованные каталоги и репродукции.
Как отличить хорошее искусство от плохого?
Цитата из книги
«Искусство бывает путаным, особенно когда оно не похоже на жизнь.
В конце XIX века появилось абстрактное искусство, мало напоминающее окружающий мир. Художники стали пользоваться необычными материалами, цветами и формами. Они экспериментировали, проверяя реакцию зрителей.
Так изменилось понимание того, что хорошо и что плохо в искусстве.
Изобразив фейерверк туманной ночью, Джеймс Эббот Макнил Уистлер хотел скорее передать атмосферу, чем узнаваемые детали.
Художественный критик Джон Рёскин был в ужасе. Он сказал, что это не искусство, и обвинил Уистлера в том, что он «запустил краской прямо в лицо публике».
Слова Рёскина имели большой резонанс. Но с тех пор мнения изменились. Сегодня Уистлер считается великим художником.
Джунгли Руссо не выглядят реалистичными. Значит ли это, что перед нами плохая работа?
Чтобы научиться рисовать, Руссо копировал книжные иллюстрации. Дикие деревья и растительность — это увеличенные до гигантских размеров растения в горшках. Тщательно нарисовав каждый листок и упростив тигра, Руссо сделал свою картину похожей на коллаж. Богатые краски, темные и яркие тона добавляют ей нереальности.
Пикассо очень нравился этот примитивный стиль, он назвал его «наивным искусством».
Поль Гоген считал, что его искусство не требует глубоких размышлений. Он пользовался насыщенными красками и четкими формами, создавая атмосферу. Живопись Гогена походит на разноцветные витражи. Сначала она не нравилась публике из-за своей нереалистичности, но теперь у его работ множество поклонников.
Как можно выставить писсуар и сказать, что это произведение искусства? В 1917 году именно так поступил Марсель Дюшан. Все, кто это видел, были потрясены.
Дюшан заявил, что художник может пользоваться готовыми вещами и что искусством правят идеи. Он хотел, чтобы люди по-новому смотрели на предметы и ценили оригинальные идеи больше, чем мастерство».
Комментарий
Автор вспоминает курьезный случай, когда критик Джон Рёскин решил, что современное ему искусство перестало быть искусством. В частности, он написал следующее: «Я никогда не ожидал увидеть шута, который просит двести гиней за то, что он плеснул ведро краски в лицо публике». Кстати, в ответ Уистлер подал на него в суд — и выиграл, хотя и вконец разорился. На дворе был 1877 год.
Сегодня этот вопрос стал еще более острым. Со времен Дюшана определение искусства только расширилось и фактически включает в себя все то, что художник создает, а музеи и галереи готовы показывать. Это значит, что в оценке качества искусства мы должны полагаться на тех самых экспертов из музеев и галерей, то есть в конечном счете — на вкус отдельных людей. Что же делать с нашим собственным вкусом? Главная задача современного искусства — быть актуальным, то есть говорить на языке сегодняшнего дня и о волнующих всех проблемах. Хорошее искусство должно задеть каждого вдумчивого зрителя, потому что оно рассказывает о нем — времени, в котором он живет, страхах и надеждах, неуверенности в будущем, любви и ненависти. Как быть, если оно оставляет вас равнодушным? Единственный разумный выход, который остается и именитым критикам, и простым посетителям музеев, — внимательно изучить жизнь художника, разобраться с тем, отчего его показывают в музее. И тогда мы получим ответ на вопрос, почему этот художник хороший: потому что он изменил мир.
Издательство
«Ад Маргинем Пресс», Москва, 2017, перевод А.Соколинской
Почему картины такие дорогие и зачем люди покупают современное искусство — Нож
Предметы искусства бесполезны в практическом смысле: на них не вырастить зерно, они не доставят из пункта А в пункт Б и не заменят крыши над головой. Тем не менее многие стоят гораздо дороже земельного участка, автомобиля и дома.
Не меньше сбивает с толку необходимость расшифровывать замысел художника. До начала ХХ века посетителю художественного салона всё было понятно: это портрет вельможи, это фрукты в чаше, а это горный пейзаж. Беру!
Но к произведениям экспрессионистов, кубистов, абстракционистов, концептуалистов и других «-истов» много вопросов: почему модель без зрачков, почему деревья фиолетовые, зачем тут курица — и вообще что это?Стало трудно понять, что действительно стоит своих денег. Ведь нарисовать полоски на полотне или приклеить банан к стене может и ребенок. Или нет? Откуда такие цены?
Художники долго оставались не самыми богатыми ремесленниками — в Средневековье хорошо жил тот, кто выращивал еду или делал что-то полезное для хозяйства. Редкие исключения составляли мастера, служащие при дворе королей, царей и императоров.
С началом эпохи Возрождения у художников появились спонсоры из элит: аристократы, банкиры, промышленники и другие успешные дельцы. Для меценатов это был вопрос престижа — показать сообществу свое богатство, щедрость и любовь к высокому. Кроме платы за работу художник получал известность в кругу состоятельных друзей заказчика и иногда деньги «просто так» — на краски, студию и вообще достойную жизнь.
Звучит сказочно, но тут были свои условия: надо было попасть в канон. Выгодно продать картину, не соответствующую консервативным требованиям к сюжету и технике, было почти невозможно. Диктат канонов стал ослабевать только к концу ХIХ века и полностью исчез в ХХ. Конечно, определенные правила остались, но нарушать их уже не так зазорно. Даже напротив, особое уважение получает тот, кто нарушит их затейливее остальных. Художники получили максимум свободы.
Но без четкого ориентира сложно определять цену каждого произведения: на рынке теперь слишком много разных направлений, стилей, форм, размеров и т. д. Раньше ориентиром служил канон, сейчас это имя (или бренд). При этом брендовыми могут быть художник, музей, галерея и аукционный дом.
Брендинг в искусстве и наши когнитивные искаженияТеперь для успеха не обязательно виртуозно владеть техникой или делать что-то прорывное, главное — создать привлекательный имидж и сделать так, чтобы о вас говорили все и всюду. Можно как угодно к этому относиться, но стоит признать, что реклама и пиар работают. И всё благодаря нашим ошибкам восприятия — когнитивным искажениям.
Читайте также
6 книг, которые помогут развить критическое мышление
Тест: Насколько вы подвержены когнитивным искажениям и эвристикам
Рассуждения, логика и аналитика требуют очень много энергии, поэтому для экономии мозг иногда переключается в расслабленный режим, и тогда решения нам подсказывают когнитивные искажения. Они могут быть очень полезными: мы не задумываясь обойдем компанию подвыпивших парней на темной улице, потому что стереотипно считаем их опасными. Но иногда из-за когнитивных искажений мы ошибаемся, верим манипуляторам и покупаем ненужные вещи. Вот как это происходит в мире искусства.
Привлекательным людям мы приписываем и другие добродетели. Например, он красивый — значит, наверняка добрый и веселый. Пришел в дорогом костюме — профессионал и ответственный человек (вспомните советы о том, как одеваться на собеседования).
Это работает не только с внешностью: мы можем идеализировать вежливых, начитанных, талантливых или безрассудных в зависимости от того, что нам нравится в людях.
Хорошее впечатление о человеке часто переносится на его работу и вообще на всё, с чем он ассоциируется.
В случае с искусством логика такая: раз художник популярен и на слуху, значит, и работы его хороши, и тот, кто их покупает, тоже.«Гало-эффект широко используется в рекламе и маркетинге, когда производители выбирают для продвижения своих предложений некую знаменитость.
Шанс, что потребители купят товар или воспользуются услугой, предлагаемой личностью, которой симпатизирует большинство, возрастает во много раз», — пишет основатель Школы критического мышления Никита Непряхин.
Джефф Кунс — человек-инфоповод. В конце 1980-х он выпустил серию скульптур и шелкографий, изображающих, как он занимается сексом с женой, порноактрисой Чиччолиной. Затем были скульптуры позолоченного Майкла Джексона с обезьянкой, 13-метровый цветочный щенок и надувная балерина на площади у Рокфеллер-центра. Что ни проект, то резонанс в СМИ.
Кунс провернул рекордное количество коллабораций: создал обложку для альбома Леди Гага и декорации для концерта Jay-Z, «раскрасил» арт-мобиль BMW, сотрудничал с H&M, Стеллой Маккартни, Louis Vuitton и даже Google. Специалисты по современному искусству стараются заполучить хотя бы одну его работу для крупных аукционов, потому что где Кунс, там пресса. К тому же рядом с его произведениями остальные кажутся не такими дорогими.
Эффект гало так же работает с музеями, дилерами и даже с прежними владельцами произведения. Картина, которая год висела в гостиной знаменитости, будет стоить дороже аналогичной, простоявшей в художественной мастерской: дилеры понимают, что картина «с историей» приобретает дополнительную психологическую ценность для покупателя, поэтому поднимают цену.
Эффект иллюзии правдыЧем чаще мы слышим информацию, тем правдивей она нам кажется. Например, многие уверены, что левое полушарие отвечает за аналитические способности, а правое — за творческие (это неправда). Интересно, что при этом мы часто не можем вспомнить, откуда мы взяли это убеждение — вроде как «где-то читали» и «это общеизвестный факт».
Дело в том, что знакомую информацию воспринимать легче, чем новую, и достоверность в данном случае вообще не имеет значения. Классический опыт на эту тему провели в 1970-х. Студентов попросили отметить, какое из 60 утверждений истинно, а какое ложно. Через неделю опыт повторили с теми же участниками: 20 утверждений оставили, остальные 40 заменили на новые. Еще через неделю фокус проделали снова. То, что казалось сомнительным в первый раз, студенты сочли куда более вероятным в третий.
На этом когнитивном искажении, как и на гало-эффекте, стоит реклама и пропаганда. Если каждый день во всех социальных сетях повторять, что скульптор Стамескин гений, однажды мы в это поверим.
Возможно, будь у Ван Гога инстаграм и толковый СММ-менеджер, художник бы не умер в нищете и одиночестве. Эффект третьего лицаНаверняка кто-то сейчас кивает: «Да уж, эти рекламщики способны убедить в чем угодно — но только не меня». Это тоже когнитивное искажение, оно называется эффектом третьего лица.
Благодаря этим уловкам бренды получают наше внимание и лояльность, но нечестно было бы говорить, что все они злодеи-манипуляторы. Если бы у нас самих не было потребности покупать, вряд ли бы объем мирового арт-рынка смог бы достичь 50,1 млрд долларов в год (это больше, чем государственный бюджет Латвии, Сербии и Беларуси вместе взятых).
Психология многомиллионных сделок
Читая новости современного искусства, волей-неволей подумаешь: «Как можно отдать пятьдесят миллионов за это? Будь у меня столько, я бы…» В этой парадигме все богатые коллекционеры кажутся сумасшедшими. Но только потому, что нам сложно представить жизнь настолько обеспеченного человека со всеми ее проблемами и радостями.
«В верхних эшелонах мира искусства деньги сами по себе не имеют особого значения — они есть у всех», — пишет Дональд Томпсон, экономист и знаток искусства.
Тем не менее даже самый богатый человек в мире не платит ни за что только потому, что может.
Для начала представим, что хочет показать человек, когда вешает на стену дорогой арт-объект:
- Он богат. Мы помним, что это не главное среди сильных мира сего, но произведение может демонстрировать не просто достаток, а его уровень. Например: «Я уже не миллионер, а миллиардер».
- Он свой в богемной среде, вхож в закрытое для многих сообщество, на короткой ноге с художниками, дилерами, галеристами.
- Он обладает определенным вкусом, видением. Коллекционирует поп-арт, абстрактный экспрессионизм или просто всё, что на слуху.
Психолог Ирина Волынцева считает, что потребность демонстрировать статус не всегда связана с низкой самооценкой, как принято считать:За что мы готовы переплачиватьЗа бренд«Если у человека нет убежденности в своей безусловной ценности, которая не зависит от внешних обстоятельств, он может искать подтверждения ей в окружающем мире — и ассоциирует себя с тем, в чем пытается ее найти.
Если он завязал свою самооценку на уровне дохода, вкусе, богемности, то он будет стараться поддерживать всё это на высоком уровне. Ведь иначе пострадает не только его представление о качестве собственной коллекции картин, но и о самом себе в целом — а этого любой человек старается избежать. Но людям, у которых сомнений в собственной ценности нет, статусные покупки тоже важны. Если огрубить, то с точки зрения эволюционной психологии чем больше у меня того, что высоко ценится в этом обществе, тем более комфортно я могу в нем устроиться. Большее количество благ давало больше шансов найти подходящего партнера, завести жизнеспособное потомство и обрести больший авторитет в принятии коллективных решений.
Наконец, покупки и владение хорошими вещами — это то, что приносит удовольствие, а мы все стремимся его получать. Вещи, которые порадуют менее обеспеченного человека (машина, айфон), обыденны для богатого, потому не доставят ему особой радости».
Цена и бренд — универсальные ориентиры на рынке искусства (и любом другом), если у покупателя нет времени или желания разбираться в предмете. Например, Джефф Безос знает, что Эд Рушей — брендовый художник, которого любит Барак Обама. Можно смело брать.
Цена сама по себе может определять ценность продукта: если это столько стоит, значит, оно того стоит (простите за каламбур). В частности, над этим механизмом рынка иронизировал Капеллан, приклеивая банан к стене.
«Дорогие произведения обретают смысл и значение отчасти именно потому, что дорого стоят, — считает экономист Дональд Томпсон. — Критики пишут глубокомысленные очерки, разбирая по косточкам работы Джеффа Кунса и Трейси Эмин <…>, но ни за что не признаются, что все эти работы имеют смысл только потому, что за них заплачено так много денег».
За уникальность
Когда владеешь чем-то, чего больше ни у кого нет, в каком-то смысле и сам становишься уникальным.
Аукционы организованы хитро: участники торгов знают, что произведение представлено в единственном экземпляре, и видят, как много вокруг конкурентов. Тут включается один из двух стимулов: положительный (завладеть) и аверсивный (не упустить).«Если человек среднего достатка может занять неплохое место в социальной иерархии, взяв ипотеку и купив машину, то среди действительно богатых людей такое не сработает, — говорит психолог Ирина Волынцева. — Нужны блага, которые будут выделять человека среди других, отличаться от того, чем владеют все люди его уровня дохода. И произведения искусства — один из самых логичных вариантов: они в определенной степени уникальны и высоко ценятся. А виллы и „Мазерати“ для богатых людей всё же не так необычны».
Знаменитые психологи Дэвид Канеман и Амос Тверски считали, что желание не упустить вещь действует на нас сильнее. Исследование доказало, что риск потерять 100 долларов будоражит сильнее, чем возможность получить столько же.
С другой стороны, если бренд сильный, уникальность не так важна. Есть даже такое направление — тиражное искусство, когда произведение сразу создается в нескольких экземплярах.«Бывает, что двое участников аукциона во что бы то ни стало хотят приобрести один и тот же лот и вступают в схватку друг с другом, — пишет Филипп Хук, член совета директоров аукциона Sotheby’s. — Помню, как пейзаж Моне, изображающий японский мостик в его саду в Живерни, был продан за 19 млн фунтов, потому что один покупатель никак не хотел уступать другому. Их соперничество превратилось в выяснение, кто богаче. Но если бы один из них проснулся в то утро, скажем, с похмелья, мучимый головной болью, и послал бы аукцион ко всем чертям, то вполне приемлемой ценой Моне оказались бы 8 млн фунтов, с которых они и начали свое состязание».
Этим прославились Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Джефф Кунс, Бэнкси и другие популярные художники. Тиражи нужны, чтобы увеличить аудиторию: если на оригинального «Кролика» Кунса денег нет (напомним, это 91 млн долларов), можно купить легальную копию за 10 тысяч.
Мы помним, что часто главная причина покупки — желание показать себя во всей красе. Недавно в мировых СМИ отгремела новость о том, что цифровой коллаж «Каждый день: первые 5000 дней» был продан как NFT-токен за 69 млн долларов.
Майк Винкельманн (Beeple) стал автором самой дорогой цифровой работы в истории, но, что не менее важно, сингапурец Виньеш Сундаресан стал ее обладателем — и этот факт навсегда вписан в его биографию.Японский миллиардер Юсаку Маэдзава в 2016 году заплатил на аукционе 98 млн долларов за охапку произведений знаменитых художников. Об этом написали во всех СМИ от Нью-Йорка до Токио, назвав поступок Маэдзава арт-шопингом. Год спустя миллиардер приобрел безымянную картину Жана-Мишеля Баския́ за 110,5 млн долларов, а еще годом позже объявил, что станет первым частным пассажиром рейса до Луны в 2023 году. Последний факт не имеет отношения к искусству, но может говорить о том, что Маэдзава не прочь привлечь к себе внимание мировой прессы.
Словом, для кого-то покупка ультрадорогих произведений не только хобби, но и часть имиджа.
За размерЧто тут добавишь — оказывается, он все-таки имеет значение.
«Цена скорее отражает размер картины, чем ее качество или художественные достоинства, — пишет Дональд Томпсон. — Поскольку оценить качество сложно, цены устанавливаются по размеру картины — так покупатель чувствует себя увереннее. В тех редких случаях, когда одинаковые по размеру работы зрелого художника оцениваются по-разному, объяснение нужно искать в значимости работы или ее сложности, но не в художественных достоинствах».
Каждый день с 4 января 1966 года японский художник Он Кавара создавал по одной картине, на которой изображал сегодняшнюю дату. Если по каким-то причинам он не успевал закончить работу до полуночи, произведение отправлялось в утиль. В 2014 году аукционный дом Christie’s выставил на торги полотно «1 мая, 1987». Картина ушла за 4,2 млн долларов (ее размер — 155 на 226 см). В комплекте к холсту прилагались три «первомайских» газеты: The New York Times, The New York Post и The Daily News.
Очевидно, что в высокой стоимости заинтересованы все, кто продает предметы искусства: художники, дилеры, галереи. Но не только они: кажется, и самим покупателям выгодно, чтобы цены росли — тогда приобретенный сегодня холст можно перепродать втридорога через три, пять, десять лет. Но на практике с инвестициями всё неоднозначно.
Можно хорошо заработать на полотнах признанных художников, но так везет далеко не всем. Удачные сделки, которые попадают в новостные сводки, — единичные случаи, а подавляющее большинство произведений так и остаются невостребованными.
При этом инвестор вынужден тратиться на хранение и страхование, а на спрос в итоге могут повлиять причины никак от него не зависящие. Например, экономическая повестка в стране и мире, страшный вирус и даже мода: какой-то стиль или художник стали популярными, а о других все забыли.
Зато в финансовых аферах без арт-дилера не обойтись. Покупка произведений искусства — отличный способ превратить незаконно полученные деньги в легальные.«В ошеломляющем большинстве случаев приобретение произведений искусства не является ни удачным вложением капитала, ни подходящим механизмом его инвестирования», — считает экономист Дональд Томпсон.
Например, чиновник Иванов часто берет взятки. Положить эти деньги в банк он не может: большой суммой неизвестного происхождения заинтересуется налоговая. Под матрасом их держать неудобно.
Иванов делит гору денег на маленькие горки и с помощью подставных лиц вносит их на разные счета, а оттуда — на один счет банка в офшорной зоне, например на Каймановых островах. Там Иванову не придется платить налоги, объяснять, кто он и откуда дровишки. С офшорного счета он — как аноним — покупает одно или несколько произведений, а потом относит их дилеру или в аукционный дом — уже как Иванов. Дилер продает полотна и отдает Иванову его честные деньги.
Теоретически, если Иванов не торопится, он может инвестировать в раскрутку художника, чью картину приобрел, чтобы через пару лет на торгах получить за нее в 10, 20 или 100 раз больше. Всё это время полотно может гастролировать по выставкам и набивать себе цену или отлеживаться в залах фрипорта.
Кажется удивительным, что это может происходить в мире, где всё контролируется и регулируется. Тем не менее арт-рынок идеально подходит для подобных фокусов по нескольким причинам:
- Предметы искусства стоят баснословных денег, и их цену невозможно проверить по смете, как строительство детской площадки или покупку недвижимости, — как мы помним, цену арт-объектов определяют нематериальные критерии вроде имени художника, бренда музея, моды и т. д.
- Картины, скульптуры и особенно цифровые коллажи (!) легко хранить и перевозить, чего нельзя сказать о квартире, заводе, яхте и других капиталоемких объектах.
- Покупателю или продавцу не обязательно раскрывать свое имя и другую личную информацию. Обе стороны в документах могут значиться как «частный коллекционер», и всё. Кроме того, некоторые сделки всё еще закрепляются простым рукопожатием. Это единственная отрасль бизнеса, где такое до сих пор возможно.
- Во многих странах действуют налоговые льготы для покупателей. «Налоговое законодательство в области искусства позволяет не платить налоги законным путем. Если вы серьезный коллекционер, вам достаточно нанять хорошего бухгалтера, — говорит арт-консультант Бет Фиоре. — Например, вам никогда не придется платить налоги, если вы выставляете недавно приобретенные работы в определенных музеях». Наконец, покупать и продавать можно прямо на свободной от пошлин территории фрипортов.
Сотрудники правоохранительных органов США говорят, что в махинациях задействованы тысячи ценных произведений.
Есть даже мнение, что «правящая элита» сама придумала создавать дорогих художников-суперзвезд, чтобы маскировать покупкой картин разные финансовые трюки.Заоблачные цены на предметы искусства существуют и, вероятно, будут существовать, потому что это удобно всем. Художники и дилеры радуются гонорарам и комиссионным, не самые честные дельцы — возможности мухлевать, а состоятельные покупатели не прочь заплатить за то, чтобы чувствовать себя особенными.
Почему современное искусство такое дорогое? – CAI
Введение: что определяет ценность произведения искусства?
Мы видели это раньше и увидим снова. Аукционист бьет молотком, и современное произведение искусства продается на аукционе за семи-, восьми- или даже девятизначную сумму. Вскоре после этого общественное возмущение возникает из-за того, что рассматриваемое произведение искусства представляло собой, казалось бы, простую абстрактную картину, которую, по мнению многих, «ее мог бы нарисовать и семилетний ребенок» — например, «№ 7» Марка Ротко (19).51), который в прошлом году был продан на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке за 82,5 миллиона долларов (см. изображение ниже). Или, что еще хуже, произведение искусства представляло собой готовую скульптуру, такую как « Мидии под белым соусом » Марселя Бротарса, повседневный объект, прославляемый до шедевра стоимостью в миллион долларов.
«Скандал!», «Отмывание денег!», «Мошенничество!», «Шалость» и многое другое — обычные реакции, иллюстрирующие общественное мнение и разочарование, когда речь идет об экономической стороне искусства. Как могут капли краски, размазанные по холсту, стоить миллионы долларов? Как может горшочек с мидиями с пролитым белым соусом быть произведением искусства, не говоря уже о том, чтобы быть очень ценным современным шедевром? Кто или что определяет ценность этих произведений искусства и почему они так дороги?
Экономическая ценность современного искусства определяется искусствоведческой важностью художника и рассматриваемого произведения искусства, а также законом спроса и предложения и его потенциальной отдачей от инвестиций .
Справедливости ради стоит сказать, что вышеупомянутые выводы «немного» поспешны и лишены каких-либо нюансов. Утверждать, что Марк Ротко — это всего лишь «размазывание краски по холсту», так же неверно, как утверждать, что Лионель Месси или Криштиану Роналду зарабатывают миллионы просто за то, что «пинают мяч», или Пауло Коэльо за то, что просто пишет выдуманные истории. Жизнь, полная упорного труда, самоотверженности и огромного количества талантов, предшествует лишь нескольким одаренным людям, которые достигают вершины.
Экономическая ценность релевантного современного искусства гораздо больше, чем сумма его материалов. Оно наполнено внутренней ценностью, что делает его гораздо большим, чем просто краска и холст, точно так же рукописное письмо давно потерянного возлюбленного намного ценнее, чем просто чернила и бумага.
Марк Ротко No. 7’ (1951 г.), которую вешают арт-хендлеры перед продажей в 2021 г. за 82,5 млн долларов на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке.Таким образом, в изобразительном искусстве мы различаем три различных вида ценности:
- Материальная ценность: сумма использованных материалов
- Декоративная ценность: конкурентоспособные цены на отделку стен / использованные материалы + рабочее время
- Художественная/искусство-историческая ценность: ценность произведения искусства как культурного наследия и предмета коллекционирования
Материальная ценность < Декоративная ценность < Художественная/художественно-историческая ценность
Искусство начинается там, где декор выходит за рамки. Можно утверждать, что каждый может купить холст, нарисовать и создать абстрактную картину, которая могла бы стать украшением дома. Стоимость этих работ, вероятно, будет составлять от 200 до 2000 долларов, в зависимости от размера, стоимости материалов или рабочего времени.
Однако заявить о себе как о художнике и сделать себе имя в мире искусства путем создания оригинальных, актуальных и современных произведений искусства — это совсем другая задача. Любой может сделать первое, но лишь немногие преуспеют в последнем (мы настоятельно рекомендуем нашу статью Как добиться успеха в качестве художника/художника , если вам интересно, как увеличить свои шансы как художника).
Стоимость этих современных произведений искусства будет начинаться всего с 1000 долларов, до 500 000 долларов на первичном рынке (см. ниже) и до 300 миллионов долларов на вторичном рынке (см. ниже). Это подводит нас к следующей важной главе, чтобы понять, почему современное искусство может быть таким дорогим: к рынку искусства.
Понимание мира и рынка искусства: первичный рынок и вторичный рынок
Мир искусства и рынок искусства состоят из различных форм, рынков и ниш. Итак, где происходят эти большие продажи? Прежде всего, существует принципиальное различие между первичный рынок и вторичный рынок .
Первичный рынок — это рынок, на котором произведения искусства продаются впервые. В этом случае художник и/или его галерея находятся в непосредственном контакте с коллекционером, который является первым владельцем произведения искусства. Коллекционер покупает произведение искусства, а художник и его галерея зарабатывают деньги на продаже. Как указывалось в нашей предыдущей главе, стоимость этих современных произведений искусства на первичном рынке начинается примерно от 1000 до примерно 500 000 долларов. Многомиллионные продажи на этом рынке крайне редки.
В нижней части этого спектра у нас есть работы начинающих художников , которые будут стоить от 1000 до примерно 10000 долларов. Начинающие художники — это художники, чья карьера все еще находится на ранней стадии, они выставляются в некоторых галереях, но еще не оставили след в мире искусства, будучи представленными в известных коллекциях, публикациях или институциональных выставках.
Когда это происходит, мы входим в спектр так называемых артистов среднего звена , входя в ценовой диапазон от 10 000 до 50 000 долларов. Терминология «середина карьеры» может время от времени сбивать с толку, поскольку предполагает, что художник находится на полпути своей карьеры, однако многие художники никогда не станут художниками середины карьеры, а многие останутся художниками середины карьеры всю свою карьеру. Это просто относится к статусу художника с точки зрения того, насколько он ценен или признан.
Верхний спектр, конечно же, признанных исполнителей . Эти художники собираются несколькими крупными учреждениями, и у них очень устойчивый спрос и история продаж. В результате диапазон цен составляет от 50 000 до 500 000 долларов, в зависимости от предложения, размера и носителя рассматриваемых произведений искусства.
Эти цены очень предсказуемы, поэтому только правильная цена ведет к хорошим продажам. В результате, в зависимости от карьеры художника и статуса на рынке, существует очень сильный консенсус, когда речь идет о ценах на эти произведения искусства. Однако стоимость часто может превышать эти цены из-за тенденций на вторичном рынке, в частности, в аукционных домах.
Таким образом, вторичный рынок — это место, где происходят почти все рекордные продажи. Вторичный рынок состоит из продаж после первой продажи художника. Другими словами, художник не зарабатывает, когда его работы продаются за миллионы на вторичном рынке. Арт-дилеры, коллекционеры или галереи, специализирующиеся на вторичном рынке, являются владельцами современных или современных произведений искусства, прежде чем продавать их снова, стремясь и надеясь получить более высокую цену для получения прибыли.
Помимо арт-дилеров, большую часть вторичного рынка составляют, конечно же, аукционные дома, вспомните Sotheby’s, Christie’s или Phillips, святую троицу аукционных домов. Современное искусство на аукционах — это бурно развивающаяся отрасль: за последние 20 лет арт-рынок заработал 20 миллиардов долларов.[1]
Картина Дэвида Хокни « Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами) » (1972) была продана в 2018 году за 90 миллионов долларов на аукционе Christie’s в Нью-Йорке. Фото: Alba Vigaray / EPA / ShutterstockВ то время как существуют определенные правила или условности, создающие общий консенсус, когда речь идет о цене/стоимости произведений искусства на первичном рынке, в аукционных домах цена или стоимость определяется тем, кто предложит самую высокую цену. . Это означает, что произведение искусства стоит столько, сколько покупатель готов заплатить. При этом цены могут колебаться до астрономических высот.
Так зачем кому-то покупать искусство на вторичном рынке, если первичный рынок намного дешевле? Во-первых, топ продаж на аукционах – это чаще всего раз в жизни возможность приобрести конкретное произведение искусства, тогда как на первичном рынке происходит постоянное предложение работ. Более того, в высших эшелонах мира искусства не всегда разрешено покупать произведение конкретного художника на первичном рынке, потому что художники и художественные галереи предпочитают продавать известные частные и государственные коллекции, такие как учреждения, музеи. или городских коллекций. Или, в некоторых случаях, существуют огромные списки ожидания, из-за которых практически невозможно приобрести произведение искусства от конкретного художника.
В результате вторичный рынок становится прекрасной возможностью не стоять в очереди и купить работы того художника, которого вы хотите. Однако при этом цены вырастут, и вам придется конкурировать и перебивать всех, кто пытается сделать то же самое.
Есть две причины, по которым часто так сложно купить лучших художников на вторичном рынке. Прежде всего, продажа в важные (публичные) коллекции намного лучше для карьеры художника в долгосрочной перспективе. Более того, эти коллекции сделают работы видимыми, задокументируют их и сделают доступными для публики. Они покупают произведения искусства в образовательных целях и из-за их художественно-исторической ценности как культурного наследия.
В то время как оппортунистические покупатели могут купить произведение искусства в экономических целях. В этом случае мир искусства продается по ценам, которые галерея не может контролировать, что может нанести ущерб ценности карьеры художника, если на аукционе появится тенденция к снижению, механизм, который невозможно контролировать. Кроме того, у коллекционера будут миллионы прибыли, в то время как художник и галереи заработают лишь часть новой реализованной цены при первой продаже. Кроме того, после продажи произведение искусства как бы исчезнет в частной коллекции, так как оно больше не будет доступно для других.
Понятно, что эти смехотворные цены — лишь часть мира искусства. Другими словами, так называемое правило 80-20, также известное как принцип Парето , применимо, когда речь идет о мире искусства с точки зрения распределения доходов. Основная часть всех артистов, 80%, отвечает только за 20% рынка, тогда как 20% лучших исполнителей отвечают за 80% рынка. Исследования ArtPrice подтвердили это мнение, указав, что средняя цена проданного современного произведения искусства в настоящее время составляет около 27 500 долларов, тогда как медиана составляет всего 1 500–2 000 долларов.
Кто покупает дорогое современное искусство и почему? – Искусство как инвестиция
Еще один способ ответить на вопрос, почему современное и актуальное искусство такое дорогое, – определить, кто его покупает и каковы мотивы.
К первой категории относятся, конечно же, вышеупомянутые публичные коллекции, целью которых является приобретение лучших произведений искусства для образовательных целей и ценности искусства как культурного наследия. Когда в ваш город или музей попадает выдающийся художник, это приносит большой престиж. Это повышает уровень, ценность и признание рассматриваемого учреждения или организации. Мотивом выступает в данном случае прежде всего художественно-историческая ценность произведения. Поскольку эти учреждения стремятся покупать самых влиятельных художников, им часто приходится прилагать большие финансовые усилия, особенно когда они вынуждены покупать на вторичном рынке.
Таким образом, публичные коллекции несут ответственность за многие крупные продажи, но очень редко можно увидеть, как музей покупает произведение искусства за миллионы долларов. Более того, эти арт-институции имеют хорошие отношения с художественными галереями и даже личные отношения с художниками. В результате часто заключается взаимовыгодное соглашение, по которому учреждение может покупать произведения искусства непосредственно на первичном рынке, иногда даже по сниженным ценам, поддерживая карьеру художника в долгосрочной перспективе.
Далее идут частные коллекционеры, энтузиасты искусства. Коллекционер увлечен искусством, но также осознает возможности искусства как инвестиции. Они покупают искусство не только сердцем, но и разумом. Быть в курсе последних событий в мире искусства и регулярно посещать художественные галереи и художественные ярмарки в поисках самых захватывающих перспектив — хобби многих.
Большинство этих коллекционеров начинают коллекционировать произведения искусства, покупая работы начинающих художников на первичном рынке примерно в ценовой категории от 1000 до 25000 долларов. Помимо того, что эти произведения искусства по-прежнему очень доступны по цене, в этой категории можно получить наибольшую прибыль в относительном количестве. Мы видели это много раз, с работами, которые мы собирали, и с художниками, которых мы представляем, что цены удвоятся, утроятся и даже больше в течение пяти-десяти лет (чтобы получить совет, не стесняйтесь просматривать наши услуги для коллекционеров).
Вид инсталляции в Центре искусств ING в Брюсселе, Бельгия, где ING Belgium демонстрирует свою впечатляющую коллекцию произведений искусства. Однако, когда дело доходит до зарабатывания больших денег, инвестирование в признанных артистов с гораздо большей вероятностью принесет положительную отдачу от инвестиций по сравнению с коллекционированием начинающих артистов, поскольку уже существует постоянный спрос и история продаж, а артист уже вложенный в канон истории современного искусства, что приводит к гораздо более высокой искусствоведческой ценности, которая, скорее всего, будет продолжать расти с течением времени. 20-процентное увеличение стоимости (например, 200 000 долларов США > 240 000 долларов США = + 40 000 долларов США) известного исполнителя может быть гораздо более прибыльным, чем 300-процентное увеличение стоимости начинающего художника (например, 2 000 долларов США > 6 000 долларов США = + 4 000 долларов США). Или даже больше, когда коллекционер покупает произведение известного художника на первичном рынке, а на следующий день продает его на аукционе, добавляя к цене реализации несколько нулей (например: €200 000 > €2 000 000 = +$1 800 000). ).
Таким образом, мы подходим к третьей категории, а именно к частным и корпоративным инвесторам. Искусство — отличный способ вложить свои финансовые ресурсы, если, конечно, все сделано правильно. На самом деле, инвестирование в наиболее важных современных и современных художников часто может быть более безопасным и прибыльным, чем инвестирование в акции. Думайте о транснациональных корпорациях, банках, известных брендах и других крупных корпорациях, которые постоянно покупают искусство как о долгосрочных инвестициях.
Есть и другие мотивы. Подумайте, например, о социальном статусе коллекционера, который применим к энтузиастам искусства, покупающим начинающих художников, а также к шейху, покупающему Пикассо по рекордной цене на аукционе.
Этот экономический элемент искусства как инвестиции, безусловно, имеет решающее значение, когда речь идет об ответе на вопрос, почему современное искусство такое дорогое. Как и в случае с редкими картами покемонов, бриллиантами, рубашками с автографами футболистов, редкими книгами, NFT, часами Rolex, винами, специальными кроссовками ограниченного выпуска или эксклюзивными сумками Gucci, существует коллекционный персонаж, связанный с потенциальным возвратом инвестиций, что делает его интересный актив для инвесторов, подталкивающий рынок к новым высотам.
| Motive: Art-Historical Value | Motive: Potential Return on Investment | |
| Category 1: Public collections | V | X |
| Category 2: Private collections | V | V |
| Категория 3: Частные и корпоративные инвесторы | X | V |
Спорный характер экономической ценности искусства
Можно задаться вопросом, почему общественное мнение благосклонно относится к тому, что сумочка Gucci продается за сотни тысяч долларов, но не относится к тому, что искусство входит в эти экономические сферы? Ответы кроются в проблемных отношениях и противоречивом характере искусства и денег.
Сумочка является коммерческим товаром. В результате нас абсолютно устраивает его коммерческий характер. Однако в случае с искусством кажется, что художник продает свою душу, хотя это не художник продает свои работы за такие огромные деньги. В результате мы делаем поспешный вывод, что дело уже не в искусстве, а в деньгах. Галереи — оппортунистические стяжатели денег, а успешные художники — мошенники. Однако почти у всех успешных художественных галерей и художников главная цель — художественная, а не коммерческая. Если кто-то преследует коммерческую цель, у него меньше шансов добиться успеха в долгосрочной перспективе.
Пекуния нон олет . «Деньги не пахнут». Но кажется, что да, когда речь идет об искусстве. И не только общественное мнение ставит под сомнение роль долларов, евро, фунтов и иен в мире искусства, то же самое делают и сами художники. Например, пионеры концептуального искусства в начале 1960-х подвергали сомнению художественный истеблишмент. Они критиковали институты и продолжающуюся коммерциализацию искусства как украшения для богатых. При этом они дистанцировались от этого коммерческого характера, создавая неэстетичные произведения искусства, критикуя мир искусства или дематериализуя искусство, чтобы не осталось арт-объекта.
Отличным примером является печально известный Merda d’Artist a Пьеро Мандзони, более известный как Дерьмо художника. Он испражнялся, консервировал свои экскременты и продавал их как серию произведений искусства ограниченным тиражом. Он продавал их по текущей цене золота, высмеивая экономическую ценность того, что художник «производит», подразумевая, что художник на самом деле «гадит золотом». По иронии судьбы, из-за непонимания общественное мнение обвиняет Манцони в том, что он является коммерческим мошенником, хотя он добивается прямо противоположного, являясь главным героем некоммерческого искусства.
Пьеро Манцони, Художественное дерьмо, нет. 31, 1961. Металл, бумага – 5 × 6,5 см. Предоставлено Art Resource, Нью-Йорк.Заключение: почему современное искусство такое дорогое?
В заключение скажем, что арт-рынок — один из крупнейших рынков в мире. Если подумать, произведения искусства — самые дорогие предметы в мире. Они дороже золота, автомобилей, бриллиантов и так далее. Только эксклюзивная собственность способна превзойти эти полотна с пузырями краски. Однако в мире искусства гораздо больше нюансов, чем в тех рекордных аукционных продажах, которые порождают броские заголовки в газетах, намеренно вызывая сенсацию и общественное возмущение, а многомиллионные продажи составляют лишь высшую долю мира искусства.
Искусство может быть таким дорогим из-за его художественно-исторической ценности, важности как части культурного наследия и того, как оно сформировало мир, каким мы его знаем сегодня. Искусство может быть таким дорогим из-за его коллекционного характера, его редкости, вездесущего закона спроса и предложения и его потенциальной окупаемости инвестиций. Искусство может быть таким дорогим из-за привилегии и социального статуса обладателя такого шедевра.
Но, прежде всего, его ценность коренится в вековой традиции производства чего-то, что превосходит все остальное. Создавать зрелищные, смелые, молчаливые, критические, юмористические, пробуждающие разум и душу. Снова и снова это убеждает нас и еще раз подтверждает свою ценность.
Примечания:
[1] ArtPrice, The Contemporary Art Rush на https://www.artprice.com/artprice-reports/the-contemporary-art-market-report-2020/the-contemporary-art- срочная консультация 02.11.2022.
[2] ArtPrice, Renewed Growth на https://www.artprice.com/artprice-reports/the-contemporary-art-market-report-2017/renewed-growth, консультации 02.11.2022.
Почему картины такие дорогие? (10 основных причин).
Даже многообещающие художники склонны продавать свои произведения искусства по высоким ценам.
Одни картины продаются за сотни долларов, а другие за миллионы, и вы можете задаться вопросом, что влияет на цену картин.
Вот 10 причин, по которым картины такие дорогие.
Почему картины такие дорогие? (10 основных причин)
1. Оригинальные произведения искусства
Одна из причин, по которой картины так дороги, заключается в том, что они оригинальные.
Художники обладают уникальной способностью брать то, что они видят в своем воображении, и превращать это в физическое произведение, которое могут увидеть другие люди.
Помимо невероятного творчества, это также требует большого количества технических навыков.
Причина, по которой картины так дороги, заключается в том, что каждое произведение искусства полностью оригинально и уникально.
Другой точной копии быть не может.
Даже художник не смог бы сделать это снова.
Краска может смешиваться не точно, солнечный свет может как-то воздействовать на краску, даже процесс высыхания может изменить внешний вид краски.
Даже не беспокоясь о воспроизведении одних и тех же мазков.
Отпечатки также не передают яркость оригинальной работы.
Это всего лишь копии, а не настоящие произведения искусства.
Из-за этого существует только одна часть.
Это также означает, что только один человек может владеть оригинальной работой.
Если художник или конкретное произведение искусства популярны, значит, на них есть большой спрос.
Однако запас крайне ограничен.
Есть только один.
Поскольку многие люди хотят получить произведение искусства, они должны заплатить за него.
Оттуда цена увеличивается.
Вот почему некоторые картины Да Винчи, Ван Гога и других классических художников продаются за миллионы.
Существует только одна оригинальная версия этой картины.
2. Умершие художники
Другим фактором, повышающим цену картины, является то, умер художник или нет.
Смерть повышает ценность произведений искусства.
Это потому, что художник больше не может создавать произведения искусства.
Они создали только определенное количество картин.
Поскольку предложение ограничено, а спрос высок, цены на их картины растут.
Если художник еще жив, то его картины могут не продаваться по такой высокой цене.
Это потому, что коллекционеры и любители искусства знают, что у них выходит больше произведений.
По-прежнему есть запас, чтобы частично удовлетворить спрос.
Смерть также повышает ценность картин, поскольку добавляет к ним историю и личность художника.
Да Винчи — известный художник, но он также был мастером-изобретателем.
Хотя в свое время он уже имел большой авторитет, с тех пор он вырос после его смерти.
Личность Леонардо да Винчи проявляется в его картинах.
Это делает их более ценными, чем если бы он был все еще жив и его жизнь еще не закончилась.
Вы обнаружите, что некоторые картины вырастут в цене после смерти художника, который их создал.
3. Долгий процесс
Процесс покраски занимает много времени.
Поиск вдохновения иногда является самой большой проблемой.
Художнику может потребоваться от нескольких секунд до нескольких месяцев или многих лет, чтобы найти вдохновение для своей следующей картины.
На одних находит вдохновение, а другим приходится его искать.
Когда у них появится идея для картины, им нужно все подготовить.
Холст, краски и даже некоторые кисти должны быть подготовлены до того, как художник сможет начать работу.
Во время рисования художник может столкнуться с творческими препятствиями.
Их может подвести вдохновение, или что-то может пойти не так, как они хотят.
Краски могут их подвести.
Они могут быть слишком сухими или не смешиваться с нужным оттенком цвета.
Художникам также легко перегореть, если они слишком усердно работают над одним произведением.
На создание картины может уйти от одного дня до нескольких месяцев.
Зависит от сложности, размера и творческого процесса художника.
Так как процесс в целом может занять много времени, это удорожает картину.
Это потому, что художник должен охватить те периоды, когда он только и делал, что рисовал.
Как плотнику платят за количество дней, затраченных на постройку дома, так и художнику приходится платить за количество дней, которые он трудился над картиной.
Вы платите не только за готовое изделие, но и за время, затраченное на его покраску.
Можно ожидать, что любая картина, на создание которой ушло много времени, будет дорогой.
4. Представители искусства
Цена на произведение искусства устанавливается не только художником.
Если у них есть представитель искусства или дилер, который работает с ними, то они будут вести много переговоров о цене.
Арт-дилер, например, должен раскрутить работы художника.
Это привлекает большое внимание и интерес к их изделиям.
Чем больше процентов может собрать дилер, тем выше спрос на работы.
В результате цена увеличивается.
Это работает рука об руку с выставками в галерее.
Художники обычно должны платить определенную цену, чтобы попасть в галерею, если их не пригласили.
Галерея хочет привлечь как можно больше людей, чтобы заработать немного денег.
Они будут искать художников, которые могут сказать что-то новое или задавать последние тенденции в искусстве.
Работая с дилером и художником, галерея может даже продать с аукциона некоторые из их работ.
При участии всех этих людей каждый получает свою долю от окончательной цены.
Естественно, они хотят, чтобы она была как можно выше, так как это означает, что они уйдут с большим количеством денег.
Чем больше ажиотажа создает художник благодаря творчеству представителей искусства, тем больше спрос на их искусство.
При ограниченном предложении цена на искусство увеличивается.
5. Размер
Размер картины сильно влияет на ее цену.
Маленькие картины могут быть сложными, но для их создания не требуется столько краски и времени.
Художнику требуется меньше материалов, и он обычно может закончить работу за несколько дней или недель.
Из-за этого он дешевле.
Большие картины, с другой стороны, могут быть очень дорогими.
Это потому, что размер действительно безграничен.
Некоторые художники рисуют картины размером с фреску, которые легко могут стоить тысячи долларов.
Другие имеют большие холсты, сделанные специально для них.
Чем больше картина, тем больше материалов потребуется художнику для ее создания.
Если они используют дорогой набор красок, то это может увеличить цену только из-за них.
Время — еще один фактор.
Чтобы закончить большую картину, нужно много времени.
От нанесения нескольких слоев краски до выравнивания контура на завершение большой картины могут уйти месяцы.
Художнику нужна компенсация за потерянное время.
Большие картины делают искусство более дорогим.
6. Нетрадиционные произведения искусства
Когда некоторые люди думают об искусстве, они думают о натюрмортах и Моне Лизе с.
Они думают об импрессионизме и кубизме.
Они могут не осознавать, что эти художественные стили были нетрадиционными во времена их возникновения.
Ван Гог, как известно, умер бедным, потому что никому не нужны были его картины.
Импрессионистский стиль показался им нетрадиционным.
Сейчас его произведения продаются за тысячи, если не миллионы долларов.
Нетрадиционное искусство стоит дорого, потому что оно привносит что-то новое в мир искусства.
Это дает любителям искусства новый способ увидеть мир или что-то новое, о чем можно подумать, глядя на произведение.
Не все нетрадиционные произведения искусства пользуются большим успехом.
Однако те, которые есть, имеют высокую цену.
Любой может скопировать стиль или создать похожий натюрморт или обстановку.
Не каждый может внедрить совершенно новую технику или стиль рисования.
Те, кто зарабатывают много денег на своих картинах, потому что они продаются по высоким ценам.
7. Медиум
В мире живописи медиумом является тип материала, на котором рисует художник.
Есть три основных средства, но некоторые нетрадиционные художники используют и другие средства.
Самый дорогой носитель — холст.
Это традиционный материал, который используют художники.
Холст хорошо работает, потому что дает художнику большой контроль над мазками кисти.
Также помогает им наносить краску, а не впитывать ее.
Вторым самым дорогим носителем является бумага.
Бумага дешевле холста, потому что она тоньше и при ее производстве используется меньше материалов.
На бумаге рисовать немного сложнее, так как она имеет тенденцию впитывать часть краски.
Это может привести к более частому подтеканию и размазыванию.
Самым дешевым видом носителя является печать.
Любви к печатному искусству не так много.
Если вы видите картину по высокой цене, то, скорее всего, это потому, что ее материалом является холст.
Та же картина на бумаге или принт будет дешевле.
8. Ассоциация с известной галереей
После того, как художник прошел путь вверх из небольших галерей, он может привлечь внимание большой и известной галереи.
David Zwirner или Hauser & Wirth — одни из самых известных галерей, например.
Приглашение выставиться в такой галерее автоматически увеличивает цену произведения искусства.
Это показывает остальному миру искусства, что художник достиг высшего уровня мастерства.
Их искусство стоит немалых денег.
Попасть в известные галереи непросто.
Некоторые художники проводят всю свою жизнь, пытаясь попасть в одну из них.
Галереи будут перебирать картину за картиной, пока не найдут ту, которая им понравится.
Поскольку галереи, как правило, делят продажу произведений искусства с художником 50/50, обе стороны стремятся продать искусство по максимально возможной цене.
Тот факт, что они выставляются в художественной галерее премиум-класса, где многие любители искусства с глубокими кошельками ищут произведения искусства, помогает им получать высокие цены.
Принадлежность к известной галерее может повысить стоимость произведений искусства только за счет репутации.
9. Коллекционеры произведений искусства
Вы можете подумать, что произведение искусства выглядит глупо или не очень умело.
Вас может удивить, что люди покупают его за тысячи долларов.
Одна из причин, по которой люди будут покупать искусство, даже если оно не кажется таким уж хорошим, заключается в том, что коллекционеры искусства в восторге от него.
В мире искусства рынок работает по модели консенсуса.
Любители искусства обращаются к коллекционерам за советами, какие произведения искусства значимы и заслуживают покупки.
Затем они обсуждают это со своими друзьями-любителями искусства, и если есть согласие, то спрос на произведение искусства возрастает.
По мере увеличения спроса растет и цена.
Все обращаются к крупным коллекционерам произведений искусства с глубокими карманами, чтобы принять первоначальное решение.
Иногда искусствоведы тоже приходят к единому мнению.
Если они начнут соперничать за то, кто ее купит, то остальная толпа художников поймет, что в этой картине действительно есть что-то особенное.
Они тоже этого хотят, если это вызывает столько обсуждений и внимания.
Если коллекционер произведений искусства высоко отзывается о произведении или пытается перебить цену за него у другого коллекционера, то вы обнаружите, что произведение искусства быстро растет в цене.
Это даже если искусство нравится не всем.
10. Символ состояния
Искусство — это больше, чем украшение вашего дома.
Это должно быть началом разговора.
Это должно заставить вас задавать вопросы и пытаться на них ответить.
Однако многие считают искусство просто символом статуса.
Поскольку это дорого, и они смогли его купить, это способ сказать другим, что они богаты, не показывая на самом деле выписки со своих банковских счетов.
Коллекционеры и любители произведений искусства, как правило, богаты.
У них есть тысячи и миллионы долларов, которые позволяют им делать эти покупки без задней мысли.
Им может понравиться произведение искусства, но многие покупают произведения искусства, потому что хотят повесить их на стены, чтобы показать свой статус и богатство.
Кто-то, например, владелец картины Ван Гога, вероятно, заплатил за нее значительную сумму денег.
Когда они приглашают гостей в свой дом, они могут показать это.
Они могут поговорить об этом и небрежно похвастаться тем, как сильно это их отбросило.
Поскольку это символ статуса, рынок ожидает, что искусство должно быть дорогим.
Никому не нужно искусство, чтобы выжить.
Вместо этого это роскошь.
Таким образом, картины имеют роскошную цену.
Как сэкономить на картинах
Если вы хотите владеть несколькими подлинными и оригинальными произведениями искусства, то вам стоит опасаться тратить на это несколько тысяч долларов.
Вот несколько способов насладиться невероятными произведениями искусства у себя дома, не разорившись при этом.
1. Ищите начинающих художников
Известные художники будут стоить намного дороже, чем начинающие.
Начинающие художники все еще ищут галерею для демонстрации своих работ.
Они уже могут быть частью небольшой галереи, но
они еще не добились успеха в мире искусства.
Из-за этого в данный момент они не могут устанавливать слишком высокие цены на свои произведения искусства.
Вы можете найти замечательных художников в небольших галереях поблизости.
Вы также можете найти их на арт-ярмарках и даже на онлайн-рынках.
Поддержка начинающих художников не только дает вам возможность собирать их ранние работы, которые впоследствии могут стать ценными, но также позволяет покупать их ранние произведения по низкой цене.
2. Купите маленькую
Чтобы сэкономить деньги, вам следует поискать картины меньшего размера.
Вы можете заполнить стену небольшими картинами и все равно сэкономите больше денег, чем если бы вы купили одну большую картину.
Поскольку для создания небольших картин требуется меньше времени и материалов, художники продают их по более низкой цене.
Картины меньшего размера украшают комнату так же хорошо, как и большая картина.
Вам не нужно опустошать бумажник с картиной меньшего размера, как если бы это была картина большего размера.
3. Купить больше одного
В зависимости от художника, некоторые с удовольствием объединяют свои работы.
Если вы купите два или три товара вместо одного, они, возможно, предпочтут скидку на один из них.
Кто-то может даже бесплатно подкинуть маленькую картину.
Покупка нескольких товаров дает им несколько преимуществ.
Освобождает место в инвентаре, чтобы можно было покрасить новые предметы.
Это также означает, что большая часть времени, которое они потратили на изготовление деталей, теперь оплачивается сразу.
Им также не нужно беспокоиться о поиске других заинтересованных сторон или продаже их товаров.
Покупка нескольких дополнительных картин одного и того же художника часто может принести вам большую прибыль.
4. Подумайте о распечатке или цифровом изображении
Если вам нужны недорогие картины, вам следует подумать о покупке печатных или цифровых картин.