Уютный трикотаж: интернет магазин белорусского трикотажа

Модильяни амедео википедия: Последние Новости России, Украины и мира

Модильяни амедео википедия: Последние Новости России, Украины и мира

Содержание

Художники по направлению: Экспрессионизм — WikiArt.org

направление

Экспрессиони́зм (от лат. expressio, «выражение») — течение в европейском искусстве эпохи модернизма, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия XX века, преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к воспроизведению действительности, сколько к выражению эмоционального состояния автора. Он представлен во множестве художественных форм, включая живопись, литературу, театр, архитектуру, музыку и танец. Это первое художественное течение, в полной мере проявившее себя в кинематографе.

Экспрессионизм возник как болезненная реакция на уродства цивилизации начала 20 века, Первую мировую войну и революционные движения.

Поколение, травмированное бойней мировой войны (на которой погибли такие крупные мастера, как Август Маке и Франц Марк), воспринимало действительность крайне субъективно, через призму таких эмоций, как разочарование, тревога и страх. Эстетизму и натурализму старшего поколения они противопоставляли идею непосредственного эмоционального воздействия на публику. Для экспрессионистов превыше всего субъективность творческого акта. Принцип выражения преобладает над изображением. Очень распространены мотивы боли и крика.

В широком смысле экспрессионистическим можно назвать искусство (вне зависимости от времени его создания), которое ставит перед собой задачу не столько воспроизведения действительности, сколько выражения порождаемых этой действительностью в авторе эмоциональных переживаний — при помощи различных смещений, преувеличений и упрощений. В этом смысле можно говорить об экспрессионизме (предельной эмоциональности, экзальтированности) творчества таких «старых мастеров», как Грюневальд и Эль Греко.

Полагают, что сам термин «экспрессионизм» был введен чешским историком искусств Антонином Матейчеком в 1910 году в противоположность термину «импрессионизм»:

Обращение немецких писателей и художников начала XX века к хаосу чувств происходило в контексте переоткрытия «дионисийского», иррационального начала искусства, о котором писал Ницше в трактате «Рождение трагедии» (1871).

Своими предшественниками немецкие экспрессионисты считали постимпрессионистов, которые в конце XIX века, открывая новые экспрессивные возможности цвета и линии, перешли от воспроизведения действительности к выражению собственных субъективных состояний. Драматические полотна Винсента ван Гога, Эдварда Мунка и Джеймса Энсора при всей индивидуальности манер этих художников пронизаны зашкаливающими эмоциями восторга, негодования, ужаса.

В 1905 году немецкий экспрессионизм оформился в группу «Мост», которая бунтовала против поверхностного правдоподобия импрессионистов, стремясь вернуть немецкому искусству утраченные духовное измерение и разнообразие смыслов. В программе «Моста» было много общего с французским фовизмом. Пытаясь разработать упрощённый эстетический словарь с краткими, сокращёнными до самого существенного формами, члены «Моста» обращались к творчеству Грюневальда и Альтдорфера, а также к искусству народов Африки. В предвоенные годы к «Мосту» примкнули Эмиль Нольде, Макс Пехштейн, Отто Мюллер.

Банальность, уродливость и противоречия современной жизни порождали у экспрессионистов чувства раздражения, отвращения, тревоги и фрустрации, которые они передавали при помощи угловатых, искорёженных линий, быстрых и грубых мазков, кричащего колорита. Предпочтение отдавалось цветам предельно контрастным с тем, чтобы усилить воздействие на зрителя, не оставить его равнодушным. Малопримечательные, на первый взгляд, картины современной уличной жизни получали под кистью экспрессионистов бьющую через край эмоциональную окраску.

В 1910 г. группа художников-экспрессионистов во главе с Пехштейном отделилась от Берлинского сецессиона и образовала Новый сецессион. В 1912 г. в Мюнхене оформилась группа «Синий всадник», идеологом которой выступал Василий Кандинский. Насчёт отнесения «Синего всадника» к экспрессионизму среди специалистов нет единого мнения. Художники этого объединения слабо озабочены кризисным состоянием общества, их произведения менее эмоциональны. Лирические и абстрактные ноты образуют в их работах новую гармонию, в то время как искусство экспрессионизма по определению дисгармонично.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Экспрессионизм

Амедео Модильяни, биография и картины

   Знаменитый художник Амедео Модильяни родился в 1884 году в Ливорно, в стране, которая тогда называлась Королевство Италия. Его родители были евреями-сефардами, в семье было четверо детей. Амедео или Иедидия (таким было его настоящее имя) был самым маленьким. Ему было суждено стать одним из наиболее известных художников конца позапрошлого и начала прошлого века, ярким представителем искусства экспрессионизма.

   За свою весьма краткую жизнь, а прожил он всего 35 лет, художник сумел достигнуть высот, оказавшихся недоступных многим другим людям, дожившим до преклонных лет. Он горел очень ярко, несмотря на снедавшую его болезнь легких. В 11 лет мальчик переболел плевритом, а затем тифом. Это очень тяжелое заболевание, после которого многие не выживали. Но Амедео выжил, хотя это и стоило ему здоровья. Физическая слабость не помешала развиваться его гению, хоть и свела в могилу красивого молодого мужчину.

   Модильяни прожил свои детские годы и юность в Италии. В этой стране само окружение и многочисленные памятники помогали изучению античного искусства. В сферу интересов будущего художника входило и искусство эпохи Возрождения, что помогло ему в дальнейшем развитии и во многом повлияло на его восприятие действительности.

   Время, когда Модильяни формировался как личность и как художник, подарило миру немало талантливых мастеров. В этот период пересматривалось отношение к искусству прошлого, и формировались новые художественные течения и направления. Переехав в 1906 году в Париж, будущий мастер оказался в самой гуще бурлящих событий.

   Как и мастеров эпохи Возрождения, Модильяни, в первую очередь, интересовали люди, а не предметы. В его творческом наследии сохранилось всего лишь несколько пейзажей, тогда как другие жанры живописи его совершенно не интересовали. К тому же, вплоть до 1914 года он практически полностью посвятил себя исключительно скульптуре. В Париже Модильяни познакомился и подружился с многочисленными представителями богемы, в том числе с Морисом Утрилло, Пабло Пикассо и Людвигом Мейднером.

   В его работах периодически просматриваются отсылки к искусству периода Возрождения, а также несомненное влияние африканских традиций в искусстве. Модильяни всегда стоял в стороне от всех узнаваемых модных течений, его творчество – это настоящее явление в истории искусства.

К сожалению, о жизни художника сохранилось очень мало документальных свидетельств и рассказов, которым можно на 100% доверять. При жизни мастера его не понимали и совершенно не ценили, картины не продавались. Зато после его смерти в 1920 от менингита, спровоцированного туберкулезом, мир осознал, что потерял гения. Если бы он мог это увидеть, то оценил бы иронию судьбы. Картины, при его жизни не приносившие ему даже куска хлеба, в начале XXI века ушли с молотка за баснословные суммы, исчислявшиеся десятками миллионов долларов. Воистину, чтобы стать великим, нужно умереть в нищете и безвестности.

   Скульптуры Модильяни имеют много общего с африканскими, но ни в коей мере не являются простыми копиями. Это переосмысление особого этнического стиля, наложенного на современные реалии. Лица его статуй просты и предельно стилизованы, при этом они удивительнейшим образом сохраняют индивидуальность.

   Живописные произведения Модильяни принято относить к экспрессионизму, но в его творчестве ничто не может трактоваться однозначно.

Он один из первых привнес эмоции в картины с обнаженными женскими телами – ню. В них есть и эротизм, и сексуальная привлекательность, но не абстрактные, а полностью реальные, обычные. На полотнах Модильяни запечатлены не идеальные красотки, а живые женщины с телами, лишенными совершенства, тем и привлекательные. Именно эти картины стали восприниматься как вершина творчества художника, его уникальное достижение.

Амедео Модильяни. Образцовая биография настоящего авангардиста | Публикации

Лет тридцать назад искусствовед Вадим Полевой ввел понятие «старый мастер XX века» в качестве высшей ступени в иерархии самых выдающихся художников этого периода. Старые мастера ХХ века — это Пикассо, Матисс, Жорж Руо, Дерен, Брак, Вламинк… Ну, и Модильяни, конечно

Амедео Модильяни (1884-1920) был нищим, непризнанным и нервным художником. Он много пил, употреблял наркотики, хулиганил, страдал венерическими заболеваниями и туберкулезом, бросал женщин и умер молодым. Плюс ко всему этому он был еще и евреем, не к ночи будет сказано, хотя и по сефардской линии*.

Так я вам скажу – мы таки все можем пожелать такой жизни себе, своим детям и родственникам, будь они неладны. Потому что он занимался любимым делом, был свободен, его любила куча женщин и он их любил, а на следующий день после своей смерти он проснулся знаменитым. А это ли не счастье, я вас спрашиваю?

Италия, где Модильяни родился, провел детство, отрочество, юность и начал потихоньку учиться на художника, ничего хорошего в смысле современного искусства ему дать не могла. Футуризма еще не было, а в продвинутой для тех широт частной школе Модильяни учили импрессионизму – и это на рубеже веков. Даже на Венецианских биеннале он видел только символизм и все тот же импрессионизм. Конечно, Модильяни пожил в Риме, Флоренции, Венеции и хорошо ознакомился с образцами классического искусства, которых там как грязи. Но любознательного юношу неудержимо тянуло к новому! Нужно было ехать в Париж.

В Париж Модильяни попал в 1906 году и как-то быстро очутился на Монмартре, среди тех, кто делал новое искусство. Новым искусством тогда были фовизм и набиравший силу кубизм. Соседом Модильяни стал Пикассо.


Портрет Пикассо

Среди остальных друзей числились румынский гений Константин Бранкузи (он тут недавно поминался как автор рельефа на могиле Анри Руссо),


Портрет Бранкузи

гений из Литвы Хаим Сутин,


Портрет Сутина

польский гений Моисей Кислинг,


Портрет Кислинга

испанский гений Хуан Грис,


Портрет Гриса

еще один литовский гений Жак Липшиц,


Портрет Липшица и его жены Берты

и прочая лимита, которую потом назовут парижской школой**. Начались те четырнадцать лет, который прославили Модильяни.

За это время Модильяни выпил немереное количество алкогольных напитков, выкурил тучу гашиша и опиума, устроил по пьяни огромное количество дебошей, из них — несколько возгораний. В голом виде с голой же дамой танцевал на улице. Переспал с неизвестным количеством женщин — очевидцы в воспоминаниях оперируют трех- и четырехзначными цифрами. Успел в этом смысле уделить время и Анне нашей Ахматовой, которую, к тому же, много раз еще и рисовал обнаженной, т.е. в совершенно неодетом виде.


Портрет Анны Ахматовой

Есть подозрения, что он и маслом ее писал, бесстыдник. Во всяком случае, несколько его изображений раздетых женщин очень похожи на нашу великую поэтессу. Вот, к примеру.


Лежащая обнаженная

Да, при такой насыщенной жизни, проходящей, к тому же, на фоне систематической нищеты, он успел написать несколько сотен картин, сделать тысячи рисунков и несколько десятков скульптур. Иногда в день делал до сотни набросков. Сохранилась из всего этого меньшая часть. Что-то, попавшее к разным людям, было за ненадобностью выкинуто. Что-то съели мыши – Модильяни расплачивался с одной хозяйкой ресторанчика за обеды рисунками, и она их годами складывала в кладовке с продуктами. Да и сам Модильяни был парень резкий и много уничтожил сам. То хозяин квартиры отказался взять работы вместо денег. То дилер предложил слишком уж ничтожную сумму. То друзья обсмеяли.

Последнее произошло со скульптурами. Некоторое время Модильяни крал камень со строек парижского метрополитена и делал из него такие вот головы.


Женская голова

Отчасти эти работы похожи на его же живописные работы, отчасти – на популярную в среде тогдашних авангардистов африканскую скульптуру,


Ритуальная маска. Габон, XIX век

отчасти – на работы приятеля Бранкузи.


Константин Бранкузи. Женский портрет

В общем, прекрасные головы. И Модильяни так думал. И показал их каким-то своим приятелям, явно спьяну и явно не тем, чьи портреты тут показаны. И эти приятели стали над головами смеяться. Тогда Модильяни погрузил их почти все на тележку и утопил в Сене. Теперь их там уже который год ищут. А одна из тех, что остались, в прошлом году была продана на аукционе Christie’s почти за 53 млн долларов.

Вообще, со всем, что касалось не создания работы, а того, что с ней происходит потом, типа промоушена-продаж, у Модильяни было плохо. Пару раз появлялись люди, которым офигенно нравилось то, что он делает, и они более-менее регулярно покупали его работы, но они сами были небогаты. Один из таких, скажем, меценатов, Леопольд Зборовский,


Портрет Леопольда Зборовского

устроил в галерее Берты Вейль единственную персональную выставку Модильяни. Выставка продлилась всего несколько часов. Ну, просто пара работ с обнаженной натурой была размещена в витрине галереи. Собралась толпа, начался шум и хохот. А напротив витрины находился полицейский участок. И какой-то полицейский начальник выставку запретил как безнравственную. Аргумент, что голых женщин изображают давно и они висят в Лувре, полицейский побил сильным аргументом о том, что у этих-то – волосы в неприличных местах видны. Сейчас вот наоборот – если волос нет, значит – порнография.


Обнаженная на подушке

У полиции всегда так – сначала она художника гнобит, а потом охраняет его работы и ищет тех, кто их украл, потому что — как же их не красть, когда они, оказывается, столько стоят.

Ох, чувствую я, что сейчас попрет из меня что-нибудь искусствоведческое. Во, поперло. Творчество Амедео Модильяни находится вне общепризнанных направлений авангардизма. В искусстве ХХ века было несколько крупных мастеров, создавших собственные стратегии – Жорж Руо, Марк Шагал, Пауль Клее и т.д. Модильяни – один из них. Многие искусствоведы с этим смириться не могут и, идя на поводу у своей нездоровой страсти все классифицировать, нет-нет да и отнесут его бесхозное творчество к экспрессионизму. Если при вас кто-нибудь отнесет творчество Модильяни к экспрессионизму – смело рассмейтесь этому человеку в глаза. Можете его оскорбить, и окружающие вас поймут (ух, прет искусствоведческое!). Потому что нет ничего дальше от экспрессионизма, чем творчество Модильяни. Ведь чем знаменит экспрессионизм? Полным разладом с миром и трагическим мироощущением. Экспрессионизм – это беда и горе. А у Модильяни что? Мир, покой, гармония. А что пропорции и цвет искажены, светотеневой моделировки нет, цвет локален и рисунок упрощен – так это и в близком Модильяни фовизме все есть, и в его любимом постимпрессионизме вроде Сезанна и Лотрека. Кроме того, в формальных аспектах экспрессионизм восходит к средневековью и народному искусству, а Модильяни – к Возрождению, в основном – раннему. Не зря он по Флоренции шманался.


Обнаженная


Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. Фрагмент

Похоже? Вот то-то же. Вообще, это ж надо додуматься — относить творчество Модильяни к экспрессионизму?! Они бы еще к фотореализму его отнесли, гады! Короче, вы поняли – с этими гадами я разобрался. Я их победил крепкой, научно подкованной аргументацией.   От себя добавлю, что, кроме как из постимпрессионизма, фовизма, треченто и африканской пластики – это же не только в скульптуре, но и в живописи видно – Модильяни взял немного и из кубизма. Это когда тело показано с нескольких точек зрения – не так радикально, конечно, как у Пикассо. Перспективные нарушения у Модильяни – оттуда же.


Кипарисы и дом

Вообще, основная часть работ Модильяни – это портреты и обнаженка. Пейзажей у него — всего несколько штук. Больше нет ничего – ни жанра, ни столь популярного тогда у авангардистов натюрморта. Его интересовал только человек и непосредственно человек – можно же еще рассказывать о человеке и через интерьер или тот же натюрморт. Модильяни так для себя решил – человек, и все. Только человека буду писать, говорит, и все.

И этот человек у него находится в каком-то вневременном трансе. Он, конечно, обращает взгляд на зрителя, но смотрит сквозь него. Можно сказать, пребывает в состоянии грустной гармонии.

Чтоб так писать, находясь среди таких друзей, нужно было иметь сильную убежденность и уверенность в себе. Те-то как раз человека корежили по-кубистски или по-экспрессионистски, никакой гармонией там и не пахло. Так что Модильяни был нонконформист по отношению к нонконформистам. Круто.

С искусством покончено, вернемся к жизни. Понятно, что такое насыщенное существование плохо отражалось на здоровье – режим-то Модильяни не соблюдал. Здоровье же у него с детства было плохим, он болел плевритом, тифом, туберкулезом. Году к 1919 у него начались периодические глюки, он жутко похудел, у него стали выпадать зубы. Однажды ночью, в январе 1920, Модильяни в полубредовом состоянии несколько часов просидел на улице на обледенелой скамейке, простыл и получил впридачу ко всему нефрит. В больницу он попал только через несколько дней, уже – поздно. Умер 24 января, от туберкулезного менингита. А на следующий день из окна выбросилась его гражданская жена, Жанна Эбетюрн. Она была на девятом месяце беременности.


Портрет Жанны Эбютерн

Похороны Модильяни собрали огромное количество народа. Вся художественная элита была на них. О смерти Модильяни и самоубийстве его последней любви писали все крупнейшие газеты – мимо такой истории пройти было нельзя. Кинулись искать его работы. Тут выяснилось, что и художник-то он был неплохой. Да что там – очень хороший. Талантливый. Потрясающий! Гениальный!!! Так приходит мировая слава. Старая история.

*Потомок Спинозы, между прочим.

**На самом деле среди друзей Модильяне французы все-таки попадались. Ближайшим его другом был художник Морис Утрилло. Но он плохо влиял на Модильяни. Даже по монмартрски-богемным представлениям Утрилло очень много пил. Поэтому я решил не показывать его портрет и написать о нем только в примечании. Ну его.

 

Автор: Вадим Кругликов

%d0%b0%d0%bc%d0%b5%d0%b4%d0%b5%d0%be%20%d0%bc%d0%be%d0%b4%d0%b8%d0%bb%d1%8c%d1%8f%d0%bd%d0%b8 — со всех языков на все языки

Все языкиАнглийскийРусскийКитайскийНемецкийФранцузскийИспанскийШведскийИтальянскийЛатинскийФинскийКазахскийГреческийУзбекскийВаллийскийАрабскийБелорусскийСуахилиИвритНорвежскийПортугальскийВенгерскийТурецкийИндонезийскийПольскийКомиЭстонскийЛатышскийНидерландскийДатскийАлбанскийХорватскийНауатльАрмянскийУкраинскийЯпонскийСанскритТайскийИрландскийТатарскийСловацкийСловенскийТувинскийУрдуФарерскийИдишМакедонскийКаталанскийБашкирскийЧешскийКорейскийГрузинскийРумынский, МолдавскийЯкутскийКиргизскийТибетскийИсландскийБолгарскийСербскийВьетнамскийАзербайджанскийБаскскийХиндиМаориКечуаАканАймараГаитянскийМонгольскийПалиМайяЛитовскийШорскийКрымскотатарскийЭсперантоИнгушскийСеверносаамскийВерхнелужицкийЧеченскийШумерскийГэльскийОсетинскийЧеркесскийАдыгейскийПерсидскийАйнский языкКхмерскийДревнерусский языкЦерковнославянский (Старославянский)МикенскийКвеньяЮпийскийАфрикаансПапьяментоПенджабскийТагальскийМокшанскийКриВарайскийКурдскийЭльзасскийАбхазскийАрагонскийАрумынскийАстурийскийЭрзянскийКомиМарийскийЧувашскийСефардскийУдмурдскийВепсскийАлтайскийДолганскийКарачаевскийКумыкскийНогайскийОсманскийТофаларскийТуркменскийУйгурскийУрумскийМаньчжурскийБурятскийОрокскийЭвенкийскийГуараниТаджикскийИнупиакМалайскийТвиЛингалаБагобоЙорубаСилезскийЛюксембургскийЧерокиШайенскогоКлингонский

 

Все языкиРусскийАнглийскийДатскийТатарскийНемецкийЛатинскийКазахскийУкраинскийВенгерскийТурецкийТаджикскийПерсидскийИспанскийИвритНорвежскийКитайскийФранцузскийИтальянскийПортугальскийАрабскийПольскийСуахилиНидерландскийХорватскийКаталанскийГалисийскийГрузинскийБелорусскийАлбанскийКурдскийГреческийСловенскийИндонезийскийБолгарскийВьетнамскийМаориТагальскийУрдуИсландскийХиндиИрландскийФарерскийЛатышскийЛитовскийФинскийМонгольскийШведскийТайскийПалиЯпонскийМакедонскийКорейскийЭстонскийРумынский, МолдавскийЧеченскийКарачаевскийСловацкийЧешскийСербскийАрмянскийАзербайджанскийУзбекскийКечуаГаитянскийМайяАймараШорскийЭсперантоКрымскотатарскийОсетинскийАдыгейскийЯкутскийАйнский языкКхмерскийДревнерусский языкЦерковнославянский (Старославянский)ТамильскийКвеньяАварскийАфрикаансПапьяментоМокшанскийЙорубаЭльзасскийИдишАбхазскийЭрзянскийИнгушскийИжорскийМарийскийЧувашскийУдмурдскийВодскийВепсскийАлтайскийКумыкскийТуркменскийУйгурскийУрумскийЭвенкийскийЛожбанБашкирскийМалайскийМальтийскийЛингалаПенджабскийЧерокиЧаморроКлингонскийБаскскийПушту

Картина — Painting — qaz.

wiki

Практика нанесения краски, пигмента, цвета или другой среды на поверхность

Живопись — это нанесение краски , пигмента , цвета или другого материала на твердую поверхность (называемую «матрицей» или «опорой»). Средство обычно наносится на основу с помощью кисти , но можно использовать и другие инструменты, такие как ножи, губки и аэрографы .

В искусстве термин « живопись» описывает как действие, так и результат действия (финальная работа называется «картиной»). Опора для картин включает в себя такие поверхности, как стены , бумагу , холст , дерево, стекло , лак , керамику , лист , медь и бетон, и картина может включать множество других материалов, включая песок, глину, бумагу, гипс, сусальное золото и даже целые объекты.

Живопись — важная форма в изобразительном искусстве , включающая такие элементы, как рисунок , композиция , жест (как в жестовой живописи ), повествование (как в повествовательном искусстве ) и абстракция (как в абстрактном искусстве ). Картины могут быть натуралистическими и репрезентативными (как в натюрмортах и пейзажной живописи ), фотографическими , абстрактными, повествовательными, символическими (как в символическом искусстве ), эмоциональными (как в экспрессионизме ) или политическими (как в артивизме ).

Часть истории живописи как в восточном, так и в западном искусстве доминирует религиозное искусство . Примеры этого вида живописи варьируются от произведений искусства, изображающих мифологические фигуры на керамике, до библейских сцен на потолке Сикстинской капеллы , до сцен из жизни Будды (или других изображений восточного религиозного происхождения ).

Элементы живописи

Цвет и тон

Цвет , состоящий из оттенка , насыщенности и значения , рассредоточенных по поверхности, составляет сущность живописи, так же как высота звука и ритм — сущность музыки . Цвет очень субъективен, но имеет заметные психологические эффекты, хотя они могут отличаться от одной культуры к другой. Черный ассоциируется с трауром на Западе, а на Востоке — с белым. Некоторые художники, теоретики, писатели и ученые, в том числе Гете , Кандинский и Ньютон , написали свою собственную теорию цвета .

Более того, использование языка — это лишь абстракция для цветового эквивалента. Слово « красный », например, может охватывать широкий диапазон вариаций от чистого красного видимого спектра света. Не существует формализованного регистра разных цветов, который позволял бы согласовывать разные ноты в музыке, такие как F или C♯ . Для художника цвет не просто делится на основные (основные) и производные (дополнительные или смешанные) цвета (например, красный, синий, зеленый, коричневый и т. Д.).

Художники практически работают с пигментами , поэтому « синим » для художника может быть любой из голубых : фталоцианиновый синий , берлинский синий , индиго , кобальтовый синий , ультрамарин и так далее. Психологические и символические значения цвета, строго говоря, не являются средствами живописи. Цвета только добавляют к потенциальному, производному контексту значений, и из-за этого восприятие картины очень субъективно. Аналогия с музыкой довольно ясна: звук в музыке (например, нота до) аналогичен «свету» в живописи, «оттенки» — динамике , а «окраска» — живописи, как специфический тембр музыкальных инструментов для музыки. Эти элементы не обязательно образуют мелодию (в музыке) сами по себе; скорее, они могут добавить к нему различные контексты.

Нетрадиционные элементы

Современные художники значительно расширили практику живописи, включив, например, коллаж , который начался с кубизма и не является живописью в строгом смысле этого слова. Некоторые современные художники используют различные материалы, такие как металл, пластик, песок , цемент , солому , листья или дерево для своей текстуры . Примеры тому — работы Жана Дюбюффе и Ансельма Кифера . Растет сообщество художников, которые используют компьютеры для «рисования» цвета на цифровом «холсте» с помощью таких программ, как Adobe Photoshop , Corel Painter и многих других. При необходимости эти изображения можно распечатать на традиционном холсте.

Ритм

Подобная мозаике техника Дивизиона Жана Метцингера имела параллели в литературе; характеристика союза между писателями- символистами и художниками-неоимпрессионистами:

Я прошу разделенных мазков не объективную передачу света, а радужные оболочки и определенные аспекты цвета, все еще чуждые живописи. Я делаю своего рода хроматическое стихосложение, а для слогов я использую штрихи, которые, различающиеся по количеству, не могут различаться по размеру без изменения ритма изобразительной фразеологии, предназначенной для передачи разнообразных эмоций, вызываемых природой. (Жан Метцингер, около 1907 г.)

Ритм для таких художников, как Пит Мондриан , важен как в живописи, так и в музыке. Если определить ритм как «паузу, включенную в последовательность», тогда в картинах может быть ритм. Эти паузы позволяют творческой силе вмешаться и добавить новые творения — форму, мелодию, окраску. Распространение формы или любой информации имеет решающее значение в данном произведении искусства и напрямую влияет на эстетическую ценность этого произведения. Это потому, что эстетическая ценность зависит от функциональности, т.е. свобода (движения) восприятия воспринимается как красота. Свободный поток энергии как в искусстве, так и в других формах « techne » напрямую способствует эстетической ценности.

Музыка сыграла важную роль в зарождении абстрактного искусства, поскольку музыка абстрактна по своей природе — она ​​не пытается представить внешний мир, но непосредственно выражает внутренние чувства души. Василий Кандинский часто использовал музыкальные термины для обозначения своих произведений; он называл свои самые спонтанные картины «импровизациями», а более сложные работы называл «композициями». Кандинский предположил, что «музыка — лучший учитель», и впоследствии приступил к написанию первых семи из десяти своих сочинений . Услышав тона и аккорды во время рисования, Кандинский предположил, что (например) желтый — это цвет середины до на медной трубе; черный — это цвет закрытия и конца вещей; и что сочетания цветов производят колебательные частоты, похожие на аккорды, играемые на фортепиано. В 1871 году молодой Кандинский научился играть на фортепиано и виолончели. Сценография Кандинского для спектакля « Картины на выставке » Мусоргского иллюстрирует его «синестетическую» концепцию универсального соответствия форм, цветов и музыкальных звуков.

Музыка определяет большую часть модернистской абстрактной живописи. Джексон Поллок подчеркивает этот интерес своей картиной 1950 года « Осенний ритм» (номер 30) .

История

Самая старая известная фигуративная картина — это изображение быка, обнаруженного в пещере Лубанг Джеджи Сале в Индонезии . Он был написан 40 000 лет назад или раньше.

До 2018 года считалось, что самым старым известным картинам в Grotte Chauvet во Франции около 32000 лет . Они выгравированы и раскрашены с использованием красной охры и черного пигмента, и на них изображены лошади, носороги , львы, буйволы , мамонты , абстрактные узоры и, возможно, частичные человеческие фигуры. Наскальные рисунки были затем найдены в Индонезии в пещере Лубанг Джериджи Сале, возраст которой, как полагают, составляет 40 000 лет. Однако самые ранние свидетельства акта росписи были обнаружены в двух каменных убежищах в Арнемленде , на севере Австралии. В самом нижнем слое материала этих памятников используются куски охры, возраст которых оценивается в 60 000 лет. Археологи также нашли фрагмент наскальной живописи, сохранившейся в известняковом убежище в скалах в регионе Кимберли на северо-западе Австралии, возраст которой составляет 40 000 лет. Примеры наскальных рисунков есть по всему миру — в Италии, Франции, Испании, Португалии , Китае, Австралии, Мексике и т. Д. В западных культурах масляная живопись и акварель имеют богатые и сложные традиции по стилю и тематике. На Востоке чернила и цветные чернила исторически преобладали при выборе носителей с одинаково богатыми и сложными традициями.

Изобретение фотографии оказало большое влияние на живопись. Спустя десятилетия после того, как в 1829 году была сделана первая фотография , фотографические процессы улучшились и стали более широко практиковаться, что лишило живопись большей части ее исторической цели — обеспечить точную запись наблюдаемого мира. Ряд художественных движений конца 19-го и начала 20-го веков — особенно импрессионизм , постимпрессионизм , фовизм , экспрессионизм , кубизм и дадаизм — бросили вызов взглядам на мир эпохи Возрождения . Однако восточная и африканская живопись продолжила долгую историю стилизации и не претерпела одновременно эквивалентных преобразований.

Современное и современное искусство отошло от исторической стоимости суден и документации в пользу концепции . Это не помешало большинству ныне живущих художников продолжать заниматься живописью в целом или как часть своей работы. Жизнеспособность и многогранность живописи 21 века бросают вызов предыдущим «декларациям» о ее кончине. В эпоху, характеризующуюся идеей плюрализма , нет единого мнения относительно репрезентативного стиля эпохи. Художники продолжают создавать важные произведения искусства в самых разных стилях и эстетических темпераментах — их достоинства оставляются на усмотрение публики и рынка.

Эстетика и теория

Эстетика — это изучение искусства и красоты ; это был важный вопрос для философов 18-19 веков, таких как Кант и Гегель . Классические философы, такие как Платон и Аристотель, также теоретизировали об искусстве и живописи в частности. Платон игнорировал художников (а также скульпторов) в своей философской системе; он утверждал, что живопись не может изображать правду — это копия реальности (тень мира идей) и не что иное, как ремесло , подобное шитью обуви или литью чугуна. Ко времени Леонардо живопись стала более точным отображением истины, чем живопись в Древней Греции . Леонардо да Винчи , напротив, сказал, что « итальянский : La Pittura è cosa mentale » («английский язык: живопись — это вещь ума »). Кант проводил различие между Красотой и Возвышенным в терминах, которые явно отдавали приоритет первому. Хотя он не имел в виду конкретно живопись, эту концепцию подхватили такие художники, как Дж. М. У. Тернер и Каспар Давид Фридрих .

Гегель признал неудачу в достижении универсальной концепции красоты и в своем эстетическом эссе написал, что живопись является одним из трех «романтических» искусств, наряду с поэзией и музыкой , с ее символической и высокоинтеллектуальной целью. Художники, написавшие теоретические работы по живописи, включают Кандинского и Пауля Клее . В своем эссе Кандинский утверждает, что живопись имеет духовную ценность, и он придает основные цвета основным чувствам или концепциям, что уже пытались сделать Гете и другие писатели.

Иконография — это изучение содержания картин, а не их стиля. Эрвин Панофски и другие историки искусства сначала стремятся понять изображенные вещи, прежде чем взглянуть на их значение для зрителя в то время и, наконец, проанализировать их более широкое культурное, религиозное и социальное значение.

В 1890 году парижский художник Морис Дени утверждал: «Помните, что картина — до того, как стать боевым конем, обнаженной женщиной или какой-либо другой историей, — это, по сути, плоская поверхность, покрытая цветами, собранными в определенном порядке». Таким образом, многие разработки в живописи 20-го века, такие как кубизм , были отражением средств живописи, а не внешнего мира — природы, что ранее было ее основным предметом. Недавний вклад в размышления о живописи внес художник и писатель Джулиан Белл . В своей книге « Что такое живопись?» Белл обсуждает историческое развитие представления о том, что картины могут выражать чувства и идеи. В « Зеркале мира» Белл пишет:

Работа искусства стремится удерживать ваше внимание и держать его исправлен: в истории художественных порывов ее вперед, бульдозеры шоссе через дома воображения.

Живопись медиа

Различные типы краски обычно идентифицируются по среде, в которой пигмент суспендирован или внедрен, что определяет общие рабочие характеристики краски, такие как вязкость , смешиваемость , растворимость , время высыхания и т. Д.

Масло

Оноре Домье , Художник (1808–1879), масло на панели, видимые мазки

Масляная живопись — это процесс рисования пигментами , связанными с высыхающим маслом , например льняным маслом , которое широко использовалось в Европе раннего Нового времени. Часто масло кипятили со смолой, такой как сосновая смола или даже ладан ; их называли «лаками» и ценили за их твердость и блеск. Масляная краска в конечном итоге стала основным средством создания произведений искусства, поскольку ее преимущества стали широко известны. Переход начался с ранней нидерландской живописи в северной Европе, и на пике развития техники масляной живописи эпохи Возрождения почти полностью заменили темперные краски в большинстве стран Европы.

Пастель

Пастель — это среда для рисования в виде карандаша, состоящая из чистого порошкового пигмента и связующего. Пигменты, используемые в пастелях, такие же, как и пигменты, используемые для производства всех цветных художественных материалов, включая масляные краски ; связующее имеет нейтральный оттенок и низкую насыщенность . Цветовой эффект пастели ближе к естественным сухим пигментам, чем к любому другому процессу. Поскольку поверхность пастельной картины хрупкая и легко смазывается, для ее сохранения требуются такие меры защиты, как обрамление под стекло; его также можно опрыскать фиксатором . Тем не менее, если пастельная живопись сделана с использованием перманентных пигментов и за ней правильно ухаживают, она может оставаться неизменной веками. Пастель не подвержена растрескиванию и обесцвечиванию, которые возникают в результате изменения цвета, непрозрачности или размеров материала по мере высыхания, в отличие от картин, выполненных с использованием жидкой среды.

Акрил

Акриловая краска — это быстросохнущая краска, содержащая суспензию пигмента в эмульсии акрилового полимера . Акриловые краски можно разбавлять водой, но после высыхания они становятся водостойкими. В зависимости от того, насколько краска разбавлена ​​(водой) или модифицирована акриловыми гелями, носителями или пастами, готовая акриловая картина может напоминать акварель или картину маслом , или иметь свои уникальные характеристики, недостижимые с другими носителями. Основное практическое различие между большинством акриловых красок и масляных красок — время высыхания. Масла дают больше времени для смешивания цветов и нанесения равномерного лака на нижние рисунки. Этот аспект медленного высыхания масла можно рассматривать как преимущество для определенных техник, но он также может препятствовать способности художника работать быстро.

Акварель

Акварель — это метод рисования, при котором краски состоят из пигментов, взвешенных в водорастворимом носителе. Традиционная и наиболее распространенная основа для акварельных картин — бумага; другие опоры включают папирус , бумагу из коры, пластик, пергамент или кожу , ткань , дерево и холст . В Восточной Азии акварельная живопись чернилами называется рисованием кистью или прокруткой. В китайской , корейской и японской живописи он был доминирующим средством, часто в монохромном черном или коричневом цвете. Индия, Эфиопия и другие страны также имеют давние традиции. Роспись пальцами акварельными красками зародилась в Китае. Акварельные карандаши (водорастворимые цветные карандаши) можно использовать как влажные, так и сухие.

Чернила

Сэссю Тойо , Пейзажи четырех времен года (1486), бумага, тушь и светлый цвет

Роспись тушью выполняется с помощью жидкости, содержащей пигменты или красители, и используется для окрашивания поверхности для создания изображения, текста или дизайна . Чернила используются для рисования пером , кистью или пером . Чернила могут быть сложной средой, состоящей из растворителей , пигментов, красителей, смол , смазок , солюбилизаторов, поверхностно-активных веществ , твердых частиц , флуоресцентных агентов и других материалов. Компоненты чернил служат многим целям; носитель чернил, красители и другие добавки контролируют поток и толщину чернил, а также их внешний вид при высыхании.

Горячий воск или энкаустик

Энкаустическая живопись , также известная как роспись горячим воском, включает использование нагретого пчелиного воска с добавлением цветных пигментов. Затем жидкость / паста наносится на поверхность — обычно на подготовленную древесину, хотя часто используется холст и другие материалы. Простейшую энкаустическую смесь можно приготовить путем добавления пигментов в пчелиный воск, но есть несколько других рецептов, которые можно использовать — некоторые из них содержат другие типы воска , смолу дамара , льняное масло или другие ингредиенты. Можно купить и использовать чистые порошковые пигменты, хотя в некоторых смесях используются масляные краски или другие формы пигментов. Металлические инструменты и специальные кисти можно использовать для придания краске формы до того, как она остынет, или нагретые металлические инструменты можно использовать для манипуляций с воском, когда он остынет на поверхности. Другие материалы могут быть заключены в оболочку или собраны в поверхность, или могут быть наложены слоями с использованием энкаустической среды для прикрепления ее к поверхности.

Эта техника была обычной для древнегреческих и римских панно и продолжала использоваться в восточно-православной иконной традиции.

Фреска

Фреска — это любой из нескольких связанных типов росписи , выполненной на штукатурке на стенах или потолке. Слово фреска происходит от итальянского слова Фрески [affresːko] , которое происходит от латинского слова свежего . Фрески часто создавались в эпоху Возрождения и в другие ранние периоды. Техника Buon fresco заключается в рисовании пигментом, смешанным с водой, на тонком слое влажного свежего известкового раствора или штукатурки , для чего используется итальянское слово для штукатурки, intonaco . Роспись секко , напротив, выполняется на сухой штукатурке ( секко в переводе с итальянского означает «сухой»). Для пигментов требуется связующая среда, такая как яйцо ( темпера ), клей или масло, чтобы прикрепить пигмент к стене.

Гуашь

Гуашь — это краска на водной основе, состоящая из пигмента и других материалов, предназначенная для использования в методе непрозрачной окраски. Гуашь отличается от акварели тем, что частицы крупнее, соотношение пигмента к воде намного выше, а также присутствует дополнительный инертный белый пигмент, такой как мел . Это делает гуашь более плотной и непрозрачной, с лучшими отражающими качествами. Как и все водные среды, он разбавляется водой.

Эмаль

Эмали изготавливаются путем окрашивания подложки, обычно металлической, порошкообразным стеклом; минералы, называемые цветными оксидами, обеспечивают окраску. После обжига при температуре 750–850 градусов по Цельсию (1380–1560 градусов по Фаренгейту) в результате получается сплавленное ламинирование стекла и металла. В отличие от большинства техник окрашивания, поверхность можно обрабатывать и намочить. Эмали традиционно использовались для украшения драгоценных предметов, но также использовались и для других целей. Лиможская эмаль была ведущим центром эмалевой живописи эпохи Возрождения, с небольшими религиозными и мифологическими сценами в украшенной обстановке, на бляшках или объектах, таких как соли или шкатулки. В XVIII веке эмалевая живопись была в моде в Европе, особенно как средство для портретной миниатюры . В конце 20 века техника фарфоровой эмали на металле использовалась как прочный носитель для настенных росписей на открытом воздухе.

Аэрозольная краска

Аэрозольная краска (также называемая аэрозольной краской) — это тип краски, который поставляется в герметичном контейнере под давлением и выпускается в виде мелкодисперсного тумана при нажатии кнопки клапана . Форма окраски распылением , аэрозольная краска оставляет гладкую, равномерно покрытую поверхность. Банки стандартного размера портативны, недороги и удобны в хранении. Аэрозольную грунтовку можно наносить непосредственно на чистый металл и многие пластмассы.

Скорость, портативность и стойкость также делают аэрозольную краску обычным средством для граффити . В конце 1970-х годов подписи и фрески уличные граффити стали более сложными, а уникальный стиль был разработан как фактор аэрозольной среды и скорости, необходимой для незаконной работы. Многие теперь признают граффити и уличное искусство как уникальную форму искусства, а специально изготовленные аэрозольные краски созданы для художников-граффити. Трафарет защищает поверхность, за исключением формы конкретной краситься. Трафареты можно приобрести как подвижные буквы, заказать как профессионально вырезанные логотипы или вырезанные вручную художниками.

Темпера

Темпера , также известная как яичная темпера, представляет собой стойкую, быстросохнущую среду для рисования, состоящую из цветного пигмента, смешанного с водорастворимой связующей средой (обычно это клейкий материал, такой как яичный желток или другой размер ). Темпера также относится к картинам, выполненным в этой среде. Картины темперой очень долговечны, и до сих пор существуют образцы первых веков нашей эры. Яичная темпера была основным методом рисования до 1500 года, когда она была вытеснена изобретением масляной живописи . Краска, обычно называемая темперой (хотя это не так), состоящая из пигмента и клея, обычно используется и упоминается некоторыми производителями в Америке как краска для плакатов .

Водосмешиваемая масляная краска

Водосмешивающиеся масляные краски (также называемые «водорастворимыми» или «водосмешиваемыми») — это современная разновидность масляных красок, разработанная для разбавления и очистки водой вместо использования химических веществ, таких как скипидар . Ее можно смешивать и наносить с использованием тех же техник, что и традиционные масляные краски, но, пока она еще влажная, ее можно эффективно удалить с кистей, палитр и тряпок с помощью обычного мыла и воды. Его растворимость в воде обусловлена ​​использованием масляной среды, в которой один конец молекулы был изменен, чтобы свободно связываться с молекулами воды, как в растворе .

Цифровая живопись

Цифровая живопись — это метод создания арт-объекта (картины) в цифровом виде или техника создания цифрового искусства на компьютере. В качестве метода создания арт-объекта он адаптирует традиционную среду рисования, такую ​​как акриловая краска , масла , чернила , акварель и т. Д., И применяет пигмент к традиционным носителям, таким как тканая холщовая ткань, бумага, полиэстер и т. Д. С помощью компьютерное программное обеспечение для управления промышленными роботами или оргтехникой (принтерами). Как метод, он относится к программе компьютерной графики, которая использует виртуальный холст и виртуальную коробку для рисования кистей, цветов и других принадлежностей. Виртуальная коробка содержит множество инструментов, которые не существуют вне компьютера, и которые придают цифровому изображению вид и ощущение, отличное от художественного произведения, созданного традиционным способом. Кроме того, цифровая живопись не является искусством, «созданным компьютером», поскольку компьютер не создает изображения на экране автоматически с помощью некоторых математических расчетов. С другой стороны, художник использует собственную технику рисования для создания определенного произведения на компьютере.

Стили рисования

Стиль используется в двух смыслах: он может относиться к отличительным визуальным элементам, техникам и методам, характерным для работы отдельного художника. Это также может относиться к движению или школе, с которой связан художник. Это может происходить из реальной группы, в которую художник был сознательно вовлечен, или это может быть категория, в которую историки искусства поместили художника. Слово «стиль» в последнем смысле не пользуется популярностью в академических дискуссиях о современной живописи, хотя по-прежнему используется в популярном контексте. Такие движения или классификации включают следующее:

Западный

Модернизм

Модернизм описывает как набор культурных тенденций, так и множество связанных культурных движений , первоначально возникших в результате широкомасштабных и далеко идущих изменений в западном обществе в конце 19-го и начале 20-го веков. Модернизм был восстанием против консервативных ценностей реализма . Термин охватывает деятельность и результаты тех, кто чувствовал, что «традиционные» формы искусства, архитектуры, литературы, религиозной веры, социальной организации и повседневной жизни устаревают в новых экономических, социальных и политических условиях зарождающегося полностью индустриального общества. Мир. Отличительной чертой модернизма является самосознание. Это часто приводило к экспериментам с формой и работе, привлекающей внимание к используемым процессам и материалам (и к дальнейшей тенденции абстракции).

Импрессионизм

Первым примером модернизма в живописи был импрессионизм , школа живописи, изначально ориентированная на работу, выполняемую не в мастерской, а на открытом воздухе ( на пленэре ). Картины импрессионистов продемонстрировали, что люди не видят предметы, а видят сам свет. Школа собрала приверженцев, несмотря на внутренние разногласия среди ее ведущих практиков, и становилась все более влиятельной. Первоначально отвергнутые в самом важном коммерческом шоу того времени, спонсируемом правительством Парижском салоне , импрессионисты ежегодно организовывали групповые выставки в коммерческих помещениях в 1870-х и 1880-х годах, приурочивая их к официальному Салону. Знаменательным событием 1863 года стал Салон отказов , созданный императором Наполеоном III для демонстрации всех картин, отклоненных Парижским салоном.

Абстрактные стили

Абстрактная живопись использует визуальный язык формы, цвета и линии для создания композиции, которая может существовать со степенью независимости от визуальных ссылок в мире. Абстрактный экспрессионизм был американским художественным движением после Второй мировой войны, которое сочетало эмоциональную напряженность и самоотречение немецких экспрессионистов с антифигуративной эстетикой европейских абстрактных школ, таких как футуризм , Баухаус и кубизм , и образами бытия. мятежный, анархический, весьма своеобразный и, как некоторые считают, нигилистический.

Живопись действия , иногда называемая жестовой абстракцией , — это стиль рисования, при котором краска спонтанно капает, разбрызгивается или размазывается по холсту, а не наносится осторожно. Результирующая работа часто подчеркивает физический акт рисования как важный аспект законченной работы или заботу художника. Этот стиль был широко распространен с 1940-х до начала 1960-х годов и тесно связан с абстрактным экспрессионизмом (некоторые критики использовали термины «экшн-живопись» и «абстрактный экспрессионизм» как синонимы).

К другим модернистским стилям относятся:

Искусство аутсайдера

Термин « аутсайдерское искусство» был придуман искусствоведом Роджером Кардиналом в 1972 году как английский синоним art brut ( французский:  [aʁ bʁyt] , «сырое искусство» или «грубое искусство»), ярлык, созданный французским художником Жаном Дюбюффе для описания искусства. создано вне границ официальной культуры; Дюбюффе уделял особое внимание искусству сокамерников психиатрических лечебниц . Искусство аутсайдеров стало успешной категорией арт-маркетинга (с 1992 года в Нью-Йорке проводится ежегодная ярмарка искусства аутсайдеров). Этот термин иногда неправильно применяют в качестве всеобъемлющего маркетингового ярлыка для искусства, созданного людьми, не входящими в основной «мир искусства», независимо от их обстоятельств или содержания их работ.

Фотореализм

Фотореализм — это жанр живописи, основанный на использовании камеры и фотографий для сбора информации, а затем на основе этой информации создание картины, которая кажется очень реалистичной, как фотография . Этот термин в первую очередь применяется к картинам из художественного движения Соединенных Штатов, которое началось в конце 1960-х — начале 1970-х годов. Как полноценное художественное направление, фотореализм эволюционировал из поп-арта и как противовес абстрактному экспрессионизму .

Гиперреализм — это жанр живописи и скульптуры, напоминающий фотографию высокого разрешения . Гиперреализм — это полноценная художественная школа, и ее можно рассматривать как развитие фотореализма с точки зрения методов, используемых для создания картин или скульптур. Этот термин в первую очередь применяется к независимому художественному движению и художественному стилю в Соединенных Штатах и ​​Европе, которые развивались с начала 2000-х годов.

Сюрреализм

Сюрреализм — это культурное движение, зародившееся в начале 1920-х годов, которое наиболее известно художественной и литературной продукцией тех, кто связан с Движением сюрреалистов . В сюрреалистических произведениях присутствует элемент неожиданности, сверхъестественного, бессознательного, неожиданного сопоставления и непоследовательности ; тем не менее, многие художники и писатели-сюрреалисты рассматривают свои работы как выражение прежде всего философского движения, причем произведения являются артефактом. Лидер Андре Бретон прямо заявил, что сюрреализм — это прежде всего революционное движение.

Сюрреализм развился из деятельности дадаистов во время Первой мировой войны, и важнейшим центром этого движения был Париж . Начиная с 1920-х годов движение распространилось по всему миру, в конечном итоге затронув изобразительное искусство , литературу , кино и музыку многих стран, а также политическую мысль и практику, философию и социальную теорию .

Восточная Азия

Исламский

Индийский

Африканский

Современное искусство

Виды росписи

Аллегория

Аллегория — это образный способ представления, передающий значение, отличное от буквального. Аллегория передает свое сообщение посредством символических фигур, действий или символического представления. Аллегория обычно рассматривается как риторика , но аллегория не обязательно должна быть выражена языком : она может быть обращена к глазу и часто встречается в реалистической живописи. Пример простой визуальной аллегории — изображение мрачного жнеца . Зрители понимают, что изображение мрачного жнеца — символическое изображение смерти.

Бодегон

В испанском искусстве , А Bodegón является натюрморт картины , изображающие предметы кладовой, такие как съестных припасов, игры, и пить, часто расположенных на простой каменной плите, а также картину с одним или несколькими фигурами, но существенные элементы натюрморт, как правило , набор на кухне или в таверне. Начиная с эпохи барокко , такие картины стали популярны в Испании во второй четверти 17 века. Традиция натюрморта, похоже, началась и была намного более популярной в современных Нидерландах , сегодня Бельгия и Нидерланды (тогда фламандские и голландские художники), чем когда-либо в южной Европе . У северных натюрмортов было много поджанров: кусок завтрака был дополнен trompe-l’œil , цветочным букетом и vanitas . В Испании было гораздо меньше посетителей для такого рода вещей, но тип завтрака действительно стал популярным, с несколькими предметами еды и столовыми приборами, лежащими на столе.

Фигурная роспись

Фигура картина является произведением искусства в любом из живописи среды с первичным объектом является фигурой человека, будь то прикрытым или обнаженным . Рисование рисунков может также относиться к деятельности по созданию такой работы. Человеческая фигура была одним из контрастных предметов искусства со времен первых наскальных рисунков каменного века, и на протяжении всей истории ее интерпретировали в различных стилях. Некоторые художники, хорошо известные фигурной живописью, — это Питер Пауль Рубенс , Эдгар Дега и Эдуард Мане .

Живопись иллюстрации

Картины- иллюстрации — это те, которые используются в качестве иллюстраций в книгах, журналах, театральных или киноплакатах и комиксах. Сегодня растет интерес к коллекционированию и восхищению оригинальными произведениями искусства. Различные музейные выставки, журналы и художественные галереи посвятили место иллюстраторам прошлого. В мире визуального искусства иллюстраторы иногда считались менее важными по сравнению с художниками и графическими дизайнерами . Но в результате роста индустрии компьютерных игр и комиксов иллюстрации становятся популярными и прибыльными произведениями искусства, которые могут выйти на более широкий рынок, чем два других, особенно в Корее , Японии, Гонконге и США.

Пейзаж

Пейзажная живопись — это термин, который охватывает изображение природных пейзажей, таких как горы, долины, деревья, реки и леса, и особенно искусство, где основным предметом является широкий вид с его элементами, выстроенными в связную композицию. В других работах пейзажные фоны для фигур все еще могут составлять важную часть работы. Небо почти всегда присутствует в кадре, а погода часто является элементом композиции. Детализированные пейзажи как отдельный предмет не встречаются во всех художественных традициях и развиваются, когда уже существует сложная традиция изображения других предметов. Две основные традиции берут начало в западной живописи и китайском искусстве , в обоих случаях им более тысячи лет.

Портретная живопись

Портретные картины — это изображения человека, в которых преобладает лицо и его выражение. Цель состоит в том, чтобы отобразить сходство, личность и даже настроение человека. Искусство портрета процветало в древнегреческой и особенно римской скульптуре , где натурщики требовали индивидуализированных и реалистичных портретов, даже нелестных. Одним из самых известных портретов в западном мире является картина Леонардо да Винчи под названием « Мона Лиза» , которая считается портретом Лизы Герардини , жены Франческо дель Джокондо.

Натюрморт

Жизнь по- прежнему является произведением искусства , изображающие главным образом неодушевленный предмет дело, как правило , банальные объекты-которые могут быть либо естественным (продукты питания, цветы, растения, камни или ракушки) или искусственные (стаканы, книги, вазы, ювелирные изделия, монеты , трубы и т. д.). Натюрморты, восходящие к средневековью и древнегреческому / римскому искусству, дают художнику больше свободы в расположении элементов дизайна в композиции, чем картины других типов предметов, таких как пейзаж или портретная живопись . Натюрморты, особенно до 1700 года, часто содержали религиозную и аллегорическую символику, относящуюся к изображаемым объектам. Некоторые современные натюрморты преодолевают двумерный барьер и используют трехмерную смешанную технику и используют найденные объекты, фотографию, компьютерную графику, а также видео и звук.

Ведута

Veduta является весьма подробно, как правило , крупномасштабной картиной с изображением городского пейзажа или какой — либо другой перспектива. Этот жанр в ландшафте возникла в Фландрии , где художники , такие как Поль Бриль окрашены ведуты еще в 16 — м веке. Поскольку маршрут Гранд-тура стал в некоторой степени стандартизированным, знакомство с такими знакомыми сценами, как Римский Форум или Гранд-канал, напомнило о ранних приключениях аристократических англичан на континенте. В конце 19-го века более личные впечатления от городских пейзажей заменили стремление к топографической точности, которое было удовлетворено рисованными панорамами .

Смотрите также

Ноты

дальнейшее чтение

Викискладе есть медиафайлы по теме живописи .
В Викицитатнике есть цитаты, связанные с: Живопись
Поищите живопись в Викисловаре, бесплатном словаре.
  • Даниэль, Х. (1971). Энциклопедия тем и сюжетов в живописи; Мифологические, библейские, исторические, литературные, аллегорические и тематические . Нью-Йорк: Harry N. Abrams Inc.
  • У. Стэнли-младший Тафт, Джеймс У. Майер, Наука рисования , первое издание, Springer, 2000.

Биография Амедео Модильяни | Биографии великих людей

Дата рождения: 12 июля 1884 года
Место рождения: Ливорно, Италия
Дата смерти: 24 января 1920 года
Место смерти: Париж, Франция

Амедео Модильяни – итальянский художник.

Амедео Модильяни был рожден в июле 1884 в семье евреев-сефардов в Ливорно, он был младшим ребенком, в семье уже воспитывалось трое детей. К моменту рождения будущего художника семья обеднела. Мать Евгения преподавала в Марселе французский язык, занималась переводами. До 1894 с родителями жил дед, который занимался воспитанием внуков. В доме также жила тетя-француженка, благодаря которой Амедео знал французский.

В 11 лет Модильяни заболел плевритов, в 1898 – тифом, который в то время считался неизлечимым. Художник едва не умер, но выздоровел, начал заниматься рисованием и живописью в ливорнской Академии искусств. В 1898 начал посещать частную художественную студию ГульельмоМикели, где был самым младшим учеником. Его обучали импрессионизму, писать обнаженную натуру. В 1900 переболел туберкулезом, следующую зиму провел в Неаполе, Риме и на Капри.

Весной 1901 последовал за своим другом Оскаром Гилья во Флоренцию, в 1902 стал учеником Свободной школы живописи обнаженной натуры во Флоренции, где его учителем стал Джованни Фаттори. Тогда же Амедео стал увлекаться искусством Возрождения, посещал музеи и церкви. В 1903 уехал в Венецию, там жил, пока не переехал в Париж. В марте стал учеником венецианского института изящных искусств. В 1903-1905 знакомился с работами импрессионистов – скульптурами Родена, символизмом. В Венеции же пристрастился к гашишу и спиритизму.

В 1906 переехал в Париж, который манил его как центр мирового искусства. Первые месяцы он изучал музеи и церкви, знакомился с коллекциями Лувра, современным искусством. Вскоре снял студию на Монмартре, посещал занятия в Академии Коларосси, познакомился с будущим лучшим другом Морисом Утрилло. Был знаком с Пикассо, поэтом Жакобом, немцем Мейднером.

Весной 1907 нашел покровителя в лице врача Поля Александра, с которым дружил последующие 7 лет. Он стал жить в сдаваемом им доме, Александр покупал рисунки и картины художника, помогал ему искать заказы на портреты. В 1907 картины Модильяни выставлялись в Осеннем салоне, в 1908 написал картину Еврейка. Работы оставались без внимания, потому что Модильяни не писал картины в модном тогда кубизме.

Сейчас читают

Весной 1909 получил первый заказ на портрет Амазонка. В апреле 1909 переехал в ателье на Монпарнасе, познакомился с румынским скульптором Брынкуши, который оказал на него влияние. Амедео некоторое время даже занимался скульптурой. Весной 1910 познакомился с Анной Ахматовой, их роман длился до августа 1911. В 1911 выставил скульптуры каменных голов в ателье португальца Амадео де Соуза-Кордосу. В 1912 вновь выставляет их и даже продает часть.весно1 1913 проводит в родном Ливорно, работает с мрамором, но позже возвращается к живописи.

В 1914 после начала Первой мировой хотел пойти на фронт, но его не взяли по состоянию здоровья. Его новым покровителем стал владелец галереи Поль Гийом. В июне 1914 познакомился с Беатрис Гастингс. Она стала его музой. В 1916-1917 писал картины в жанре ню. В апреле 1917 встретил студентку Академии, которая стала его моделью. Они стали жить вместе, в 1918 покинули Париж, переехали в Ниццу, в ноябре 1918 у них родилась дочь Жанна. В мае 1919 вернулись в Париж, где Амедео вновь заразился туберкулезом и скончался в январе 1920 от менингита. На следующий день его жена покончила жизнь самоубийством, их дочь была удочерена сестрой Модильяни.

Достижения Амедео Модильяни:

• Представитель экспрессионизма

Даты из биографии Амедео Модильяни:

Июль 1884 – рождение
1898 – начало обучения в частной школе
1902 – начало обучения в Свободной школе живописи
1903 – студент Венецианского института изящных искусств
1906 – переезд в Париж
Январь 1920 – смерть

Интересные факты Амедео Модильяни:

• Его стиль нельзя отнести к чему-то определенному, он испытывал влияние Ренессанса и африканского искусства
• Его старший брат Джузеппе стал политиком-антифашистом
• Его прадед переехал в Ливорно в 18 веке, дед был горным инженером, управлял угольными шахтами и лесными угодьями

Рассказ художника Амедео Модильяни — Сегментация

Разве это не трагично, когда художник становится широко известным после своей смерти, несмотря на то, что он обладает огромным талантом? Так было со многими из самых известных художников, которые когда-либо жили. Несколько примеров людей, прославившихся после смерти, включают Винсента Ван Гога, Пола Гогена, Жоржа-Пьера Сёра, Клода Моне и Жоаннеса Вермеера. Другой человек — художник и скульптор Амедео Модильяни.

Ранняя жизнь художника Амедео Модильяни

Амедео Модильяни родился 12 июля года 1884 года в Ливорно, Италия, в сефардской еврейской семье.Семья Амедео была частью большого сообщества людей, преследуемых за свои религиозные убеждения. Семья Модильяни попала в Италию благодаря прапрадеду Амедео, Соломону Гарсину, который был беженцем, когда он прибыл в Ливорно в 18 веках.

Обнаженная на диване
Предоставлено Википедией

Фламинио Модильяни, отец Амедео, был опытным предпринимателем и бизнесменом. Фактически, когда было объявлено о его помолвке с матерью Амедео, он был богатым горным инженером.На него была возложена огромная ответственность за управление рудником на Сардинии, а также около 30 000 акров семейной собственности. Хотя его очень уважали, он не был таким культурным, как его жена.

Мать Амедео, Эжени Гарсен, родилась и выросла в Марселе. Она «происходила из интеллектуальной, ученой семьи сефардского происхождения, которая в течение нескольких поколений жила вдоль побережья Средиземного моря. Она свободно говорила на многих языках, ее предки были знатоками священных еврейских текстов и основали школу талмудистов.Семейная легенда прослеживает родословную до голландского философа 17-го века Баруха Спинозы. Семейное предприятие представляло собой кредитное агентство с филиалами в Ливорно, Марселе, Тунисе и Лондоне, хотя их состояния росли и текли »(Википедия). Хотя мать и отец Амедео имели разное происхождение, им удалось вывести свою семью из экономического кризиса 1883 года, всего за год до рождения Амедео.

Амедео, четвертый ребенок в семье Модильяни, был спасателем для своей семьи.Интересно, что рождение Амедео буквально спасло его семью от финансового краха. Когда родился Амедео, бизнес-интересы его отца резко сократились. «Рождение Амедео спасло семью от разорения; согласно древнему закону кредиторы не могли захватить кровать беременной женщины или матери с новорожденным ребенком. Судебные приставы вошли в дом семьи как раз в тот момент, когда у Евгении начались схватки; семья защищала свои самые ценные активы, складывая их поверх нее », — говорится в статье Википедии Амедео Модильяни .

Lunia Chechowska
Предоставлено Wikimedia Commons

В детстве Амедео боролся с такими болезнями, как плеврит, брюшной тиф и туберкулез. В эти трудные годы у него сложились близкие отношения со своей матерью, которая сыграла важную роль в его становлении артистом. Несмотря на приступы болезни, мать взяла его с собой в поездку по южной Италии и особо отметила его артистический талант в своем дневнике. В упомянутой выше статье цитируется ее дневник: «Характер ребенка еще настолько не сформирован, что я не могу сказать, что о нем думаю.Он ведет себя как избалованный ребенок, но у него нет недостатка в интеллекте. Придется подождать и посмотреть, что внутри этой куколки. Может, художник? »

Художественное образование Амедео Модильяни

Художественное образование Амедео Модильяни началось, когда ему было всего 14 лет, когда мать записала его учиться у лучшего художника Ливорно — Гульельмо Микели. Молодой художник работал в художественной школе Микели с 1898 по 1900 год. В мастерской Микели работали Ллевелин Ллойд, Оскар Гилья и Ренато Натали.Для Модильяни это была прекрасная возможность. Фонд Модильяни писал,

«В то время как с Микели, Модильяни изучал не только пейзаж, но также портретную живопись, натюрморты и обнаженную натуру. Его сокурсники вспоминают, что именно в последнем он проявил свой величайший талант. В 1902 году Модильяни продолжил увлечение рисованием на всю жизнь, поступив в Accademia di Belle Arti (Scuola Libera di Nudo, или «Бесплатная школа изучения обнаженной натуры») во Флоренции. Год спустя, все еще болея туберкулезом, он переехал в Венецию, где зарегистрировался для обучения в Istituto di Belle Arti.

Художественная карьера и стиль Амедео Модильяни

Изображение Амедео Модильяни Wikimedia Commons

Художественная карьера Амедео Модильяни началась, когда он переехал в Париж в 1906 году в возрасте 22 лет. Бато-Лавуар, «коммуна для художников без гроша в кармане на Монмартре», арендовала студию на улице Коленкур. Когда он впервые приехал в Париж, он проводил время, делая наброски обнаженных тел в школе Коларосси и изо всех сил стараясь сыграть роль богемного художника.Примерно через год после того, как он прибыл, ему больше не нужно было играть какую-либо роль; «Из щеголеватого академического художника он превратился в своего рода принца бродяг», — заявил Фонд Модильяни.

Каким бы нездоровым ни был его образ жизни, Модильяни все же сумел создать несколько невероятных произведений искусства, в том числе Еврейка , хотя галереи не вызвали к нему серьезного интереса. В последующие годы он написал ряд портретов, которые сегодня очень известны. Упомянутая биография,

«(Модильяни) написал большую часть своих лучших работ в это время (после Первой мировой войны в 1914 году).Принося с собой смелые линии и геометрическую абстракцию, которые он освоил в своих скульптурах, Модильяни вернулся к рисованию портретов, изображая свои предметы, в которых были изображены люди из его района, женщины, которые прошли через его жизнь, и его многочисленные друзья среди парижских художников сообщество — с яркими, но простыми линиями и похожими на маски лицами, одновременно плоскими и вызывающими воспоминания. Во время войны Модильяни также опирался на свое предыдущее обучение, чтобы создать более 30 обнаженных женщин в своем новом и самобытном стиле.

Именно этот культовый стиль прославил Модильяни после его смерти от туберкулеза в январе 1920 года.

Если Модильяни и был кем угодно, то он был саморазрушительным. Это могло быть одной из причин, почему его искусство оставалось без внимания при его жизни. К счастью, искусство Модильяни привлекло заслуженное внимание спустя годы после его смерти. Сейчас он известен как один из самых влиятельных художников своего времени.

Воссоздать произведения искусства Амедео Модильяни

Портрет Леопольда Зборовски
Wikimedia Commons

Вы поклонник безошибочного стиля Модильяни? Если да, знаете ли вы, что можете воссоздать его произведения искусства? Это правда.Все, что вам нужно, это компьютер с Windows, SegPlay PC (компьютерная программа для рисования по номерам) и наш набор цифровых рисунков Амедео Модильяни для рисования по номерам. Узоры, включенные в этот набор, включают портрет Пабло Пикассо, портрет Хаима Сутина, портрет Хуана Гриса, невесты и жениха, обнаженную на диване, автопортрет, цыганку с младенцем и многие другие. Какой из этих паттернов вам больше всего нравится?

Было бы замечательно, если бы Амедео Модильяни испытал на себе ту известность, которую он приобрел после своей смерти при жизни.Возможно, он по-прежнему с нами духом, наслаждаясь успехом, который ему суждено было добиться как артисту. Какая красивая мысль.

Подробнее Сегментация сообщений в блогах об исторических художниках:

Золотое прикосновение голландского художника Золотого века Йоханнеса Вермеера

Клод Моне — основатель французского импрессионизма

Камиль Писсарро — отец импрессионизма

Мадам Помпадур | Чикагский институт искусств

Мадам Помпадур

Дата:

1915

Автор:

Амедео Модильяни
Итальянский, 1884–1920 гг.

Об этом произведении

Амедео Модильяни родился в семье евреев в итальянском прибрежном городке Ливорно. В 1906 году он поселился в Париже, где подружился с Пабло Пикассо, поэтом Максом Якобом, скульптором Константином Бранкузи и другими представителями литературного и художественного авангарда. , многие из которых появляются на его портретах.Он вел заведомо богемную жизнь, сокращенную саморазрушающим употреблением алкоголя и наркотиков. Модильяни создал свои лучшие картины в период между 1914 годом и своей преждевременной смертью в 1920 году. В рамках ограниченного круга предметов, в основном портретов и обнаженной натуры, он разработал весьма своеобразный стиль чутко вытянутых форм.
На этом портрете Модильяни делает акцент на строгой формальной структуре, в которой преобладает сетка на заднем плане и перекликающиеся изгибы шляпы, плеч и черт лица сидящего.В нем нет пафоса, который часто ассоциируется с его творчеством. Художник, кажется, вместо этого вложил в этот портрет нотку иронической отстраненности, даже юмора, что отражено как в названии картины (которое относится к мадам де Помпадур, любовнице короля Франции Людовика XV), так и в выражении удивленной непостижимости. натурщиком. Может быть, и художника, и натурщика позабавила яркая шляпа? Умение Модильяни рифмовать формы, в то же время сохраняя визуальный интерес и слегка нарушая баланс, проявляется во всей картине, которая перекликается с уроками Поля Сезанна, кубизма и африканской скульптуры.
Натурщицей для этого портрета вполне могла быть Беатрис Гастингс, английская поэтесса, которая в то время была любовницей Модильяни. Однако из-за склонности художника обобщать черты лица своей натурщицы сравнение этого портрета с другими портретами Гастингса неубедительно.
— Вход, Маргарита Андреотти, Институт искусств Чикагского музейного дела , Vol. 20, № 2, Коллекция Джозефа Винтерботэма в Институте искусств Чикаго (1994), стр. 150-151.

Статус

В настоящее время отключено от просмотра

Отдел

Современное искусство

Художник

Амедео Модильяни

Название

Мадам Помпадур

Происхождение

Италия

Дата

1915 г.

Средний

Масло на холсте

Надписи

Подпись, л.р .: «модильяни»; с надписью и датой, l.c .: «Madam / Pompadour / 1915»

Размеры

24 1/16 × 19 3/4 дюйма (61,1 × 50,2 см)

Кредитная линия

Коллекция Джозефа Винтерботэма

Регистрационный номер

1938 г. 217

Манифест IIIF Международная структура взаимодействия изображений (IIIF) представляет собой набор открытых стандартов, обеспечивающих богатый доступ к цифровым медиа из библиотек, архивов, музеев и других культурных учреждений по всему миру.

Узнать больше.

https: // api.artic.edu/api/v1/artworks/27281/manifest.json

Расширенная информация об этой работе

История публикаций

  • Кокто, Жан, 1-я экспозиция: Кислинг, Матисс, Модильяни, Ортис де Сарате, Пикассо, Скульптуры négres exh. Кот. (Париж: Лира и палитра, 1916), н.п., нет. 13, как мадам Помпадур.
  • Guillaume, Paul, Les arts à Paris, 15 декабря 1918 г., n.p., no. 3.
  • Pfannstiel, Arthur, Modigliani: L’art et la vie (Париж: Éditions Marcel Seheur, 1929), стр. 7, как Madame Pompadour, 1915.
  • Ротшильд, Кэрол, «Недавние музейные приобретения», Parnassus 11, no. 8 (декабрь 1939 г.), стр. 38, как мадам Помпадур.
  • Свит, Фредерик А., «Модильяни и Кирико», Бюллетень Чикагского института искусств 33, вып.6 (1939), стр. 90–91 (ил.), Как мадам Помпадур.
  • Кух, Кэтрин, Коллекция Винтерботэма отл. Кот. (Художественный институт Чикаго, 1947), стр. 31 (ил.), Как Madam Pompadour, 1915.
  • Descargues, Pierre, Amedeo Modigliani: 1884–1920 (Париж: Les editions Braun et cie, 1951), n.p., pl. 14 (ил.), Как мадам Помпадур, 1915.
  • Соби, Джеймс Тралл, Модильяни: живопись, рисунок, скульптура exh. Кот. (Нью-Йорк, Музей современного искусства, 1951), стр. 51, как г-жа Помпадур, 1915.
  • di San Lazzaro, Gualtieri, Modigliani (Париж: Éditions du Chêne, 1953), стр. 6 (илл., № 20), н.п., как госпожа де Помпадур.
  • Jedlicka, Gotthard, Modigliani: 1884–1920 (Цюрих: Eugen Rentsch Verlag, 1953), стр. 82, пл. 10 (ил.), Как мадам Помпадур, 1915.
  • Музей современного искусства, Модильяни exh. Кот. (Хьюстон: Музей современного искусства, 1954), н.п., кат. 5, как мадам Помпадур.
  • Lipchitz, Jacques, Amedeo Modigliani 1884–1920 (Нью-Йорк: Гарри Н. Абрамс, 1954), n.п., пл. 15 (ил.), Как мадам Помпадур, 1915.
  • Общество четырех искусств, Амедео Модильяни 1884–1920 отл. Кот. (Палм-Бич, Флорида: Общество четырех искусств, 1954), кат. 11, как мадам Помпадур, ок. 1915.
  • Pfannstiel, Arthur, Modigliani et son oeuvre (Париж: La Bibliothéque des Arts, 1956), стр. 68, 73 (илл.), Cat. 43, пл. 11, как мадам Помпадур, 1915.
  • «Art Appreciation Series — Amedeo Modigliani», Art and Activities 42, no. 2 (октябрь 1957 г.), стр. [26] (илл. ) И 27, как мадам Помпадур.
  • Ceroni, Ambroglio, Amedeo Modigliani: peintre (Милан: Edizioni del Milione, 1958), стр. 47, кат. 42 (ил.), Как госпожа Помпадур, 1915.
  • Schoener, Allon T., Amedeo Modigliani exh. Кот. (Центр современного искусства, Художественный музей Цинциннати, 1959), нет. 9, как Madam Pompadour, 1915.
  • Художественный институт Чикаго, Картины в Художественном институте Чикаго: Каталог коллекции картинок (Чикаго, 1961), стр. 315, как Madam Pompadour, 1915.
  • Salmon, André, Modigliani: A Memoir, пер.Дороти и Рэндольф Уивер (Нью-Йорк: Сыновья Дж. П. Патнэма, 1961), ил. опп. п. 129, как мадам Помпадур, 1915.
  • Совет по делам искусств Великобритании и Эдинбургское фестивальное общество, Modigliani exh. Кот. (Эдинбург: Королевская шотландская академия, 1963 г.), стр. 15, вып. 9, пл. 4. (илл.), Как мадам [sic] Помпадур, 1915.
  • Барри, Эдвард, «Прекрасный мир искусства: растущее наследие — коллекция Винтерботэма», Chicago Tribune (25 августа 1963 года), как мадам Помпадур.
  • Спейер, А. Джеймс, «Европейская живопись и скульптура двадцатого века», Аполлон 84, вып.55 (сентябрь 1966 г.), стр. 225, как Madame Pompadour, 1915.
  • Diehl, Gaston, Modigliani (New York: Crown Publishers, 1969), стр. 37 (илл.), 73, 84, np, as «Madam» Pompadour, 1915.
  • Gindertael , RV, Modigliani e Montparnasse (Милан: Fratelli Fabbri Editori, 1969), стр. 15, пл. IX, as Madame Pompadour, 1915.
  • Ceroni, Ambrogio, and Leone Piccioni, I dipinti di Modigliani, Classici dell’arte 40 (Милан: Риццоли, 1970), стр. 90 (ил.), Кат. 57, пл. VIII (ил.), Как мадам Помпадур, 1915 г.
  • Lanthemann, J., Modigliani, 1884–1920: Catalog raisonné, Sa vie, son Oeuvre complete, son art (Barcelona: Gráficas Condal, 1970), стр. 112, 178 (илл.), Кат. 74, как Madame Pompadour (B. Hastings?), 1915.
  • Fifield, William, Modigliani (New York: William Morrow and Company, Inc., 1976), стр. 184, как Madam Pompadour, 1915.
  • Сакаи, Тадаясу и Тошио Яманаши, ред., Модильяни: любовь и ностальгия по Монпарнасу exh. Кот. (Токио: Mainichi Newspapers, 1979), n.p., cat.6 (илл.), Как Madame Pompadour, 1915.
  • Mann, Carol, Modigliani (Лондон: Thames and Hudson, 1980), стр. 109–110 (илл.), 212, cat. 75, в роли Беатрис Гастингс в роли мадам Помпадур, 1915.
  • Цурхер, Бернхард, Модильяни (Париж: Фернан Хазан, 1980), стр. 29 (№ 10), н.п. (илл.) как мадам Помпадур, 1915.
  • Шпейер, А. Джеймс и Кортни Грэм Доннелл, Европейская живопись двадцатого века (Чикаго, 1980), с. 57, кат. 2G12, as Madam Pompadour, 1915.
  • Carneiro, Helio, «Modigliani: Paris redescobre o gênio maldito», La Manchete
  • (лето 1981), стр.85 (ил.), 87, как мадам. Помпадур, 1916.
  • Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Амедео Модильяни 1884–1920 exh. Кот. (Париж, 1981), стр. 115 (ил), кат. 26, как Madam Pompadour, 1915.
  • Prat, Véronique, «Amedeo Modigliani: Justice pour un prince ivrogne», Le Figaro (21 марта 1981 г.), стр. 104, 106 (ил.), Как Madame Pompadour, 1915.
  • Холл, Дуглас, Модильяни (Oxford: Phaidon, 1984), np, рис. 23, как Madam Pompadour, 1915.
  • Hoog, Michel, Catalog de la collection Jean Walter et Paul Guillaume exh.Кот. (Париж: Éditions de la Réunion des Musées Nationalaux, 1984), стр. 144 (ил.), Как мадам Помпадур, кат. Только.
  • Рой, Клод, Модильяни, пер. Джеймс Эммонс и Стюарт Гилберт (Нью-Йорк: Скира, 1985), стр. 42 (илл.), 155, как мадам Помпадур, 1915.
  • Художественный институт Чикаго, Коллекция Джозефа Винтерботэма: Живая традиция (Чикаго: Искусство Institute, 1986), стр. 30 (илл.), 58, 63, как мадам Помпадур (Беатрис Гастингс), 1915.
  • Бенезра, Нил, «Этюд в иронии: Жак Модильяни и Берта Липшиц», Музейные исследования 12, нет, 2 (Институт искусств Чикаго: 1986), стр.196 (ил.), 197, рис. 14, в роли Беатрис Гастингс в роли мадам Помпадур, 1915.
  • Castieau-Barreille, Thérèse, La vie et l’oeuvre de Amedeo Modigliani (Париж: ACR Édition Vilo, 1987), стр. 131 (ил.), Как мадам Помпадур, 1915.
  • Метрополитен-музей, Делакруа до Матисса отл. Кот. (Ленинград: Эрмитаж, 1988) с. 48–49 (ил.), Кат. 49, как Madam Pompadour, 1915.
  • Parisot, Christian, Modigliani (Livorno: Graphis Arte, 1988), стр. 80, 81 (ил.), Как Madame Pompadour, 1915.
  • Parisot, Christian, Modigliani: Catalog raisonné, dessins, aquarelles, 1 (Livorno: Editions Graphis Arte, 1990), стр. 80, 81 (ил.), Как Madame Pompadour, 1915.
  • Parisot, Christian, Modigliani: Резюме каталога, рисунки, рисунки, акварели, 2 (Ливорно: Editions Graphis Arte, 1991), стр. 79 (илл.), 281–82, кат. 19/1915, как Madame Pompadour, 1915.
  • Patani, Osvaldo, Amedeo Modigliani: Catalogo generale 1 (Милан: Леонардо Эдиторе, 1991), стр. 89 (ил.), Кат. 61, как мадам Помпадур (Беатрис Гастингс), 1915.
  • Шмаленбах, Вернер, Амедео Модильяни: Malerei, Skulpturen, Zeichnungen exh. Кот. (Престель-Верлаг, 1991), с. 42, 78 (ил.), 220, кат. 20, пл. 30, как мадам Помпадур, 1915.
  • Художественный институт Чикаго, «Коллекция Джозефа Винтерботэма», Музейные исследования 20, вып. 2 (1994), стр. 150, 151 (ил.), 185 (ил.), Как мадам Помпадур, 1915.
  • Бальдаччи, Паоло, Джорджо де Кирико: Предательство музы, де Кирико и сюрреалисты exh. Кот. (Нью-Йорк: Finarte, 1994), стр. 16 (илл.).
  • Батлер, Стивен, Модильяни (Лондон: Studio Editions, 1994), стр. 62, 63 (ил.), Как портрет мадам Помпадур, 1915.
  • Шифф, Беннетт, «Линия четкая и растяжимая, как молния. Вспышка », Смитсоновский институт 24, вып. 10 (январь 1994 г.), стр. 64, 65 (илл.), 72, как мадам Помпадур, 1915.
  • Крушински, Анетт, Амедео Модильяни: портреты и обнаженные тела (Нью-Йорк: Престел, 1996), стр. 54, 59 (ил.), 119, как Madam Pompadour, 1915.
  • Krystof, Doris, Amedeo Modigliani, 1884–1920: The Poetry of Seeing (Köln: Taschen, 1996), p.33, как портрет мадам Помпадур, 1915.
  • Christie’s New York, картины импрессионистов и современные картины от продажи кота Техасского фонда. (11 ноября 1997 г.), стр. 28 (ил.), 29, рис. 2, как мадам Помпадур (Беатрис Гастингс), 1915.
  • Уэйн, Кеннет, Модильяни и художники Монпарнаса, exh. Кот. (Нью-Йорк, 2002), стр. 65, 67 (ил.), 69, 202–203, рис. 27 (ил.), Как мадам Помпадур, 1915, кат. Только.
  • Рестиллини, Марк, Модильяни: L’ange au visage grave exh. Кот.(Париж: Музей Люксембурга, 2003 г.), стр. 37, 46, 59, 214, 215 (ил.), Кат. 35, как мадам Помпадур, 1915.
  • Сотбис Нью-Йорк, Импрессионизм и современное искусство, часть 1 распродажа кот. (6 мая 2004 г.), стр. 60 (илл., Рис. 1), 61, as Madame Pompadour, 1915.
  • Klein, Mason, ed., Modigliani: Beyond the Myth exh. Кот. (New Haven, Conn .: Yale University Press, 2005), стр. 51, 84, 85, 120 (ил.), Пл. 35, as Madam Pompadour, 1915.
  • Chiappini, Rudi, ed., Modigliani (Milan: Skira, 2006), стр.29, 31 (ил.), Рис. 15, как госпожа Помпадур, 1915.
  • Сарабьянов Дмитрий, «Канон Модильяни», в Модильяни, отл. Кот. (М .: Издательство Красная Площадь, 2007), с. 23, 52 (кат. 28), 53 (ил.).

История выставки

  • Париж, Лира и палитра, первая экспозиция: Кислинг, Матисс, Модильяни, Ортис де Сарате, Пикассо, «Скульптуры негров», 19 ноября — 5 декабря 1916 г., n.p., no. 13, как мадам Помпадур.
  • Париж, Галерея Поля Гийома, Выставка peintres d’aujourd’hui, 15–23 декабря 1918 г., кат. 26, как мадам Помпадур.
  • Художественный институт Чикаго, Коллекция Винтерботэма, 23 мая — 22 июня 1947 г., стр. 31 (ил.), Как мадам Помпадур, 1915.
  • Далласский музей изящных искусств, Коллекция европейской живописи ХХ века Винтерботэма, 8 октября — 6 ноября 1949 г., без кат.
  • Нью-Йорк, Музей современного искусства, Модильяни: живопись, графика, скульптура, 11 апреля — 10 июня 1951 г., стр.51, как г-жа Помпадур, 1915; посетил Кливлендский музей искусств, 30 января — 18 марта 1951 г.
  • Корал-Гейблс, Флорида, Университет Майами, Художественная галерея Джо и Эмили Лоу, Французская живопись девятнадцатого и двадцатого веков, 18 марта — 6 апреля 1952 года , нет. 28; совершил поездку в Афины, Университет Джорджии, 14 апреля — 19 мая 1952 г.
  • Палм-Бич, Флорида, Общество четырех искусств, Амедео Модильяни 1884–1920, 8–31 января 1954 г., кат. 11, как мадам Помпадур, ок. 1915; отправился в Корал-Гейблс, штат Флорида., Университет Майами, Художественная галерея Джо и Эмили Лоу, 11–28 февраля 1954 г.
  • Хьюстон, Музей современного искусства, Модильяни, 15 апреля — 23 мая 1954 г., н.п., кат. 5, как мадам Помпадур.
  • Художественный музей Цинциннати, Центр современного искусства, Амедео Модильяни, 18 апреля — 20 мая 1959 г., No. 9, как мадам Помпадур, 1915; посетил Чикаго, Клуб искусств, 30 января — 28 февраля 1959 г., и Центр искусств Милуоки, 5 марта — 1 апреля 1959 г.
  • Эдинбург, Совет по делам искусств Великобритании и Эдинбургское фестивальное общество (организаторы) Модильяни, с.15, вып. 9, пл. 4. (ил.), Как мадам Помпадур, 1915; побывал в Эдинбурге, Королевская шотландская академия, 17 августа — 16 сентября 1963 года, и в Лондоне, Галерея Тейт, 28 сентября — 3 ноября 1963 года.
  • Токио, газета Mainichi в сотрудничестве с музеем Соломона Р. Гуггенхайма (организаторы), Модильяни : Любовь и ностальгия по Монпарнасу, np, cat. 6 (ил.), Как мадам Помпадур, 1915; посетил Токио, музей Даймару, 13 сентября — 16 октября 1979 года, и Осаку, музей Даймару, Синсайбаши, 25 октября — 6 ноября 1979 года.
  • Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Амедео Модильяни 1884–1920, 26 марта — 28 июня 1981 г., стр. 115 (ил), кат. 26, как Madam Pompadour, 1915.
  • Нью-Йорк, Метрополитен-музей (организатор), Делакруа — Матиссу, стр. 48–49 (илл.), Кат. 49, как мадам Помпадур, 1915; посетил Ленинград, Эрмитаж, 15 марта — 10 мая 1988 г., и Москву, ГМИИ, 10 июня — 30 июля 1988 г.
  • Дюссельдорф, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Amedeo Modigliani: Malerei, Skulpturen, Zeichnungen, 19 января — 1 апреля 1991 г., стр.78 (ил.), 220, кат. 20, пл. 30, как мадам Помпадур, 1915; посетил Цюрих, Кунстхаус, 19 апреля — 7 июля 1991 г.
  • Париж, Музей Люксембурга, Модильяни: L’ange au visage grave, 23 октября 2002 г. — 2 марта 2003 г., стр. 37, 46, 59, 214, 215 (ил.), Кат. 35, as Madam Pompadour, 1915.
  • New York, Jewish Museum, Modigliani: Beyond the Myth, 21 мая — 19 сентября 2004 г., стр. 51, 84, 85, 120 (илл., Pl. 35), 203, как мадам Помпадур, 1915; посетил Художественную галерею Онтарио с 23 октября 2004 г. по 23 января 2005 г .; и Вашингтон, Д.К., Собрание Филлипса, 19 февраля — 29 мая 2005 г.
  • Москва, Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина, Модильяни, 21 марта — 17 июня 2007 г., стр. 23, 52 (кат. 28), 53 (ил.) , as Madam Pompadour, 1915
  • London, Tate Modern, Modigliani, 23 ноября 2017 г. — апр. 2, 2018, нет кат.

Происхождение

Поль Гийом (умер в 1934 г.), Париж, приобретен непосредственно у художника, вероятно, к 1916-м годам. 1929 [Wayne 2002 и Pfannsteil 1929].Мадам Ледерлен, Париж, к 1933 г. [Коллекция мадам Ледерлен, Галерея Жана Шарпантье, 22–23 марта 1933 г., лот. 134]. Галерея Valentine-Dudensing, Нью-Йорк, 29 декабря 1937 г. [письмо Дэниела Кэттона Рича Джозефу Винтерботэму, 29 декабря 1937 г., в кураторском деле]; продан Художественному институту, 1938.

Информация об объекте находится в стадии разработки и может обновляться по мере появления новых результатов исследований.Чтобы помочь улучшить эту запись, напишите нам. Информация о загрузке изображений и лицензировании доступна здесь.

Universitas Mercatorum | Università Telematica

Università Mercatorum si è attivata sin da subito, al fine di garantire every le attività e i servizi, nonostante questa частной ситуации.

L’Ufficio Orientamento является оперативным телефоном и осмеливается поддерживать все цвета, которые необходимы для получения информации о per l’iscrizione all’Università. Возможные метрики в контакте с официальным номером и цифровым номером 800.185.458 напротив номера 06.88373300 selezionando il codice 1 , ti aspettiamo in sede e online.

L’Ateneo, частный dal 9 marzo u.с. внедрил собственные инструменты телематики для согласия студентов, которые состоят из результатов, полученных с помощью ностри corsi di laurea в режиме онлайн, приходите с согласия Miur. Gli uffici sono all operativi e connessi in «lavoro agile» al fine di garantire la Continuità delle attività di orientamento, dei servizi didattici, di valutazione e di immatricolazione per i nuovi studenti dei corsi di laurea, dei master e dell’alta formazione.

Число телефонных звонков для содержания диалога с персональным персональным компьютером:

  • Per le iscrizioni chiamare il numero verde 800.185.458 или номер 06.88373300 selezionando il codice 1 ;
  • Для учащихся, исключающих выделение полушарий, посвященных выделенным номерам, 06.88373300 , выбранный код 2 ;
  • Ориентировочный центр «Эй Пойнт» — это возможность оставить специальный китайский номер 06.88373300 выбрать код 3 .

Per gli ESAMI ONLINE sono disponibili :

  • una casella di posta dedicata: [email protected]
  • le FAQ nella piattaforma didattica con le risposte all richieste pi comuni
  • il support didattico al number 06.88373300 selezionando il codice 2 .

Сон (Le Rêve) Пабло Пикассо

Le Rêve, если использовать его оригинальное французское название, представляет собой крупномасштабную картину, которая предлагает зрителю множество деталей модели художника.Он использует стили фовизма и кубизма, чтобы изобрести эту искаженную версию реальности, уделяя большое внимание цветовым сочетаниям. Как и большинство художников-портретистов, Пабло находил предпочтительные сюжеты для своих работ и использовал их снова и снова, каждый раз экспериментируя с разными методами создания своего изображения на холсте. Также присутствует абстрактное упрощение линии и формы, типичное для творчества Пикассо того периода. Ле Рев возглавил потрясающую выставку Пикассо в Тейт Модерн, Лондон, которая была посвящена творчеству Пикассо в течение 1932 года и включала «Обнаженная женщина в красном кресле» и «Девушка перед зеркалом».Вы найдете «Сон» на обложке книги выставки, что подчеркивает ее важность среди выдающихся произведений 1932 года.

Тщательный осмотр «Сна» позволяет предположить, что художник Пикассо создает абстрактную версию своего собственного пениса, замаскированного под перевернутым лицом этого портрета. Такой абстрактный эротизм можно найти в творчестве Джорджии О’Киф и многих других известных художников ХХ века.Мари-Тереза ​​появилась в Ридинге всего за две недели до того, как «Сон» был закончен. Оба изображают ее в кресле, на этот раз спящей. Пикассо создает настроение чувственности с помощью найденной здесь цветовой схемы, которая была распространена примерно в это время для большей части его работ. Мягкие пастельные тона источали современный вид, а четкие линии помогли завершить композицию. То, как он изображает ее пальцы с резкими линиями, а также детали на заднем плане, напомнит некоторые работы француза Анри Матисса с такими картинами, как «Музыка» и «Танец».Именно цветовые схемы, использованные Пикассо в этот период, больше всего напоминают нам Матисса.

Пикассо менял цвета на протяжении своей карьеры, как известно, переживая периоды синих и розовых цветов. Открытая поза предлагает темы сексуальности, но также и уязвимости во время сна юной леди. Ее знаменитые длинные светлые волосы точно запечатлены здесь художником Пикассо, который использует желтые оттенки, чтобы агрессивно контрастировать с более темным фоном.Красные и желтые тона затем повторяются в ее ожерелье из бисера, которое изящно балансирует на ее медитативной груди. Возможно, эта сцена раскрывает черты юной леди, которые больше всего привлекали ее пожилого возлюбленного, — ее волосы, изогнутую фигуру и несомненную красоту. Несмотря на то, что во время сна она может выглядеть привлекательно, домашняя обстановка этой сцены должна предполагать комфорт и уединение, личный момент между этими двумя страстными любовниками. Хотя многие считают это работой кубизма, это можно утверждать как часть его сюрреалистического периода, в то время как цветовая схема указывает на фовизм.В это время в истории искусства Пикассо все время закладывал новые основы, требуя новых классификаций, поскольку его уникальные идеи и стили создавали искусство невиданными ранее способами.

«Красное кресло» и «Сон» продолжили тему Мари-Терезы Вальтер, пока Пикассо продолжал вовлекать свою музу во всевозможные вымогательства. Его время в Буагелупе также привело к появлению нескольких лежащих обнаженных тел с более градиентными формами, напоминающими более поздние работы Фернана Леже.В 1932 году было также много предметов, стилизованных под Le Rêve («Сон»), в том числе «Девушка перед зеркалом», «Зеркало» и «Обнаженная в красном кресле». Пикассо проявил интересный стиль создания скульптурной живописи, запечатлевая скульптурные объекты, с градиентом ярких цветов, как это видно в других местах того времени. «Сидящая женщина в красном кресле» и «Женщина в красном кресле» начала 1932 года, казалось, ликвидировали разрыв между скульптурой и маслом на холсте. Он, конечно, был очень искусен в создании скульптур, а также время от времени работал с керамикой.Казалось, не было конца ни его талантам, ни его желанию опробовать новые идеи, даже когда он добился популярности тем, что уже делал.

На этой фотографии запечатлена Мария-Тереза ​​Вальтер в Лейзене, Швейцария, , около 1929 года. Ее поза поразительно похожа на позу, использованную в последней картине «Сон». Было проведено серьезное исследование, чтобы найти фотографии вокруг жизни Пикассо, чтобы лучше визуально понять окружающих и его собственное поведение, помимо того, что было написано.Пикассо создал несколько портретов Мари-Терезы в этой позе. Лежащих женщин можно найти на огромном количестве известных картин самых разных направлений искусства.

Амедео Модильяни, например, посвятил большую часть своей карьеры этой теме. Были также «Олимпия» Эдуарда Мане и «Даная» Густава Климта. Оригинальная картина регулярно переходила из рук в руки и за эти годы собрала приличную сумму.Первоначально она была куплена Виктором и Салли Ганц за 7000 долларов еще в 1941 году. Когда владельцы скончались, большая часть их коллекции была продана с аукциона в 1990-х, что принесло огромную прибыль. С тех пор «Мечта» рассматривалась как возможность для инвестиций, а не как привлечение настоящих поклонников творчества художника.

Это женские портреты, созданные Пикассо, которые являются одними из основных в его карьере, будь то картина маслом, найденная здесь, или некоторые из неофициальных карандашных рисунков, найденных в другом месте на этом сайте.Все они предлагают нам заглянуть в его жизнь, а также его личные отношения подпитывают некоторые эмоции, которые можно найти в течение нескольких периодов его работы. Хотя технически он не был экспрессионистом, он явно использовал свои собственные эмоции как средство для черпания вдохновения для своей работы, будь то стилистические методы или содержание, которое он охватил. Он также создал несколько автопортретов, которые также послужили той же цели для тех из нас, кто хочет лучше понять самого человека.Одним из прекрасных элементов «Сны» (Le Rêve) является то, что, хотя художник использует методы кубизма, чтобы перестроить лицо и тело женщины, мы все же можем полностью понять ее настроение и осанку. Это не настолько абстрактно, чтобы мы запутались, но обеспечивает хороший баланс между ними. Другие художники со временем будут все больше и больше двигаться в сторону большей абстракции, например, как показано в карьере таких, как Мондриан и Миро, и, возможно, это не было тем, чего они изначально намеревались достичь, но медленно продвигались к конечной конечной точке. органическим способом.

Пожертвование принесло новые работы импрессионистов в Хай-музей Атланты

Огромная коллекция работ импрессионистов и постимпрессионистов скоро будет выставлена ​​в Художественном музее Атланты, который недавно получил один из самых значительных даров европейского искусства в своей истории.

24 картины — с изображениями лодок, отражающихся в воде, безмятежными травянистыми убежищами и скалистыми утесами, выполненными в сказочных пастельных тонах, — созданы дюжиной известных художников, включая Клода Моне, Пьера-Огюста Ренуара и Анри Матисса.

К концу года картины из личной коллекции филантропов Дорис и Шоуки Шахин из Атланты будут размещены в галерее с именами супругов.

«Их коллекция — настоящая находка, — сказал Рэнд Саффолк, директор музея. «Это благословение, которое мы не сможем организовать в одиночку».

В подарок вошли работы нескольких художников, ранее не представленных в музее, в том числе Матисса, Анри Фантен-Латура, Амедео Модильяни и Альфреда Сислея.Есть две картины Матисса и несколько Сислея, которые, по словам г-на Саффолка, дадут посетителям более широкое представление о том, как развивалась работа художников.

«Что касается Сислея, у музея нет ни одной его работы», — сказал г-н Саффолк. «Итак, внезапно появилось четверо, что позволило бы нам не только представить его, так сказать, нашей аудитории, но и затем углубиться в это. Это просто исключительная возможность для учреждения ».

В коллекции также представлены Эжен Луи Буден, Жан-Батист-Камиль Коро, Камиль Писсарро, Морис Утрилло, Эдуар Вюйар и Морис де Вламинк.

Это была картина де Вламинка «Banlieue de Paris», с которой началась коллекция Шахинов, когда они приобрели ее в местной галерее в начале 1970-х годов.

Шахины, которые основали компанию по развитию складских помещений в Атланте, внесли и другие вклады в искусство, в том числе один для организации цикла лекций в Школе искусств Ламара Додда при Университете Джорджии. По словам г-на Саффолка, паре сейчас за 90, и когда они стали старше, они начали рассматривать свое наследие в городе, в котором они жили более 50 лет.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.